Autárquicas 2021: os morcegos

 

Análise de "Conselho"

  

Sê paciente; espera

que a palavra amadureça

e se desprenda como um fruto

ao passar o vento que a mereça

 

            Este poema é da autoria de António Gedeão, pseudónimo de José Fontinhas, nascido na Póvoa de Atalaia, em 1923, e falecido no Porto, em 2005.

            Embora estejamos na presença de uma única quadra, trata-se de uma verdadeira arte poética, ou seja, um conjunto de princípios que orientam a produção de um texto poético. A estrofe abre com um conselho dirigido ao «tu» para ser paciente. Esse conselho assenta no recurso ao modo imperativo («Sê»), que pressupõe a existência do «tu», do interlocutor do sujeito poético, que recebe a mensagem deste último e dela extrai ensinamentos sobre a arte de escrever poesia. Deste modo, é possível concluir que o texto pressupõe uma finalidade didática, visto que se apresenta como um ensinamento dirigido a todos aqueles que procuram exercer a atividade poética.

            A “explicação” desse “conselho” é desenvolvida no resto da composição poética a partir do recurso à metáfora e a nova comparação. Estes recursos estilísticos destacam a naturalidade que deve estar na origem do texto poético, associado metaforicamente a um fruto que, depois de amadurecido, se desprende naturalmente do ramo da árvore. A metáfora do amadurecimento pode também remeter para a ideia da reformulação / reescrita do texto: o escritor escreve e, depois, corrige, reformula até encontrar a «versão» que o satisfaça. Por outro lado, a metáfora e a comparação insinuam também a paciência e a espera que o processo criativo, o processo de escrita implicam.

            Esta temática é abordada por António Gedeão em múltiplos poemas, com contornos semelhantes. De acordo com as suas próprias palavras, não era um poeta de inspiração (não era, portanto, o Alberto Caeiro que, de pé, frente à sua secretária, escreveu, de jato, os poemas de O Guardador de Rebanhos), mas um trabalhador, um «artesão» que escrevia o poema «sílaba a sílaba».

 

11 de setembro de 2021: 20 anos

 

Autárquicas 2021: os anais do Arlindo

 

Análise do poema "Ver claro"

             Este poema de Eugénio de Andrade centra-se na questão poética. Ele tem início com uma afirmação perentória: “Toda a poesia é luminosa” (v. 1). Quer isto dizer que a poesia contém a verdade que lhe é característica; o problema reside no facto de os sentimentos, as emoções ou os preconceitos do leitor (a metáfora “nevoeiro dentro de si”) o impedirem de “ver claro”, ou seja, de compreender o que lê.

            Há, porém, uma solução para essa incompreensão: o contacto contínuo com o texto poético, ideia traduzida pela reiteração “outra vez”. Esse contacto continuado com a composição poética, por causa da forma insistente como é feito, acabará por familiarizar o leitor com os processos característicos do texto poético, o que fará com que a poesia se torne clara (atente-se na expressividade da hipérbole “ficará cego de tanta claridade” – v. 10).

            Note-se, porém, que o alcançar dessa luminosidade é apresentado sob a forma de condição, traduzida pela oração subordinada adverbial condicional presente entre os versos 6 e 9. Assim sendo, não é certo que o leitor chegue mesmo à compreensão do texto; pelo menos, se não mantiver o tal contacto ativo e continuado com ele.

            Essa dúvida permanece no último verso do texto, através do qual o sujeito poético parece querer abençoar todo o leitor que “viu a luz, a luminosidade” da poesia: “Abençoado seja se lá chegar”.

            Tendo em conta esta análise, o título do texto torna-se ele próprio claro: apontará para uma definição de «poesia», dado que remete para o seu principal objetivo, que passa por observar sem constrições as ideias ou sentimentos expressos pelo sujeito poético.

Análise do poema "Salmo"

 

A vida

é o bago de uva

macerado

nos lagares do mundo

e aqui se diz

para proveito dos que vivem

que a dor

é vã

e o vinho breve.

 

            Este poema de Carlos de Oliveira tem como tema a reflexão sobre a vida e a sua brevidade e desenvolve-se com base em metáforas.

            De facto, a vida é associada a um “bago de uva” que, depois de “macerado / nos lagares do mundo”, se transforma em «vinho». Note-se que, neste contexto, o vinho simboliza a vivência humana, nomeadamente a sua brevidade, o seu caráter efémero.

            Por outro lado, o adjetivo «macerado» (v. 3) remete para a dor e o sofrimento, dado que o resultado da ação de macerar o bago de uva (a vida) é o seu esmagamento. Não obstante, “a dor / é vã / e o vinho / breve”, ou seja, a dor e o sofrimento são inúteis, visto que o resultado da maceração, ainda que aprazível (o vinho), é breve, não dura muito, graças à passagem veloz do tempo.

            Dado que o poema constitui uma reflexão sobre a vida, o tempo verbal predominante é o presente do indicativo, que, tendo em conta as ideias expressas no poema, traduz a importância que o agora, o presente assume.

            Relativamente ao poema, o nome «salmo» refere-se a um hino através do qual se enaltece ou engrandece algo; no entanto, neste poema, esse significado não se aplica. De facto, a composição constitui uma reflexão sobre a vida e a sua efemeridade, pelo que não se afigura como um livro de louvor, mas antes como um desabafo sobre a temática abordada.

Análise do poema "Testamento", de Alda Lara

 

● Título do poema: um testamento é um documento jurídico que tem como função proceder à distribuição dos bens, da herança de uma pessoa após a sua morte. No caso da composição de Alda Lara, estamos na presença de um testamento poético, através do qual destina as suas «posses» e os seus sentimentos a pessoas amigas, como seria expectável, e outros a gente que o «eu» não conhece, mas o sujeito poético crê que precisam dele e/ou dos seus bens. Assim sendo, este testamento poético é, naturalmente, um testamento diferente.

 

● Pessoas contempladas no testamento e bens distribuídos: o sujeito poético deixará os seus brincos de cristal à prostituta mais nova; o seu vestido de noiva à virgem esquecida; o seu rosário antigo ao amigo ateu; os seus livros aos homens humildes e analfabetos; os seus poemas ao homem amado, para que ele os ofereça às crianças que encontrar na rua.

 

● Critério que preside à distribuição dos bens: o sujeito poético distribui aos seus «herdeiros» aquilo que ele imagina que lhes será útil ou lhes agradará. Por outro lado, os bens doados coincidem precisamente com aquilo que os contemplados não possuem e talvez desejem.

 

● Expressividade da antítese: o poema é rico em recursos expressivos, nomeadamente em antíteses. As mais importantes são aquelas que contrapõem «mais nova» a «mais velho» e «bairro escuro» ao «cristal límpido». No primeiro caso, a poeta contrapõe a juventude da prostituta ao bairro velho, o que só faz ressaltar a característica da mulher; a segunda destaca a limpidez dos brincos, por oposição à escuridão do bairro. Por outro lado, as demais antíteses salientam aquela que é a base do poema: a oposição entre o que não se tem e aquilo que o sujeito poético distribui.

 

● Caracterização dos poemas do sujeito poético: os poemas são de dois tipos – os «loucos», que exprimem sentimentos de dor sincera e desordenada, e os de esperança, desesperada, mas firme.

 

● Fecho do poema: a última estrofe do texto faz referência às crianças, aos destinatários últimos das suas composições poéticas. Tendo em conta que estes são de dois tipos – um que exprime dor e outro que reflete esperança –, o sujeito poético pretende, precisamente, oferecer às crianças a esperança, na forma de poemas, às crianças de cada rua. Esta oferta simbolizaria a possibilidade de transformação do futuro.

 

● Temática da solidariedade: ao elaborar o seu testamento, o sujeito poético identifica aquilo que crê ser a carência de cada pessoa e procura, com ele, precisamente diminuir ou colmatar essas falhas.

Autárquicas 2021: Andreia Piassab, a candidata pela limpeza

 

Análise de "Perfilados de medo"

             Este poema de Alexandre O’Neill está escrito na primeira pessoa do poema, remetendo assim para um universo alargado que inclui o sujeito poético, mas que está para além de si.

            Este «nós» vive num estado permanente de medo, desorientação e passividade, pois conformou-se com a situação, incapaz de reagir. Esse estado de espírito justifica-se pelo facto de haver forças que instilam o medo, o oprimem (“dentes oprimidos”) e perseguem (“pelo medo perseguido”).

            A primeira estrofe assenta na antítese entre medo e coragem. O «nós» apresenta-se «perfilado» de medo, contudo, ironicamente, agradece esse mesmo medo. Porquê? Esse sentimento pode ter um lado positivo, pois impedirá que se cometam atos corajosos de revolta, de insubordinação («loucura»), que poderiam acarretar consequências graves. Só deste modo se pode compreender o agradecimento pela existência do medo. Assim sendo, face ao medo, a coragem tem muito pouca valia.

            O oxímoro e a ironia do verso 4 são muito significativos: “e a vida sem viver é mais segura”. Estes recursos, por um lado, sugerem que a existência do «nós» é uma vida em que não lhe é permitido viver e ser livre; por outro lado, indiciam que uma existência sem decisões, sem riscos é mais segura para esse coletivo.

            A segunda estrofe veicula uma visão temporal tripartida: passado, presente e futuro. No presente, o nós, “Aventureiros já sem aventura”, combate fantasmas. Neste ato, procura recuperar um estado passado (“Aventureiros”, “do que fomos”) em que não vivia imerso no medo e pretende preparar um futuro em que viverá sem receio e com confiança e livre. Os “fantasmas” referidos no verso 7 simbolizam o medo sentido pelo «nós», mas, no verso 11, são o próprio «nós», ou seja, são as pessoas, pois não vivem a sua vida: o medo transformou-os em espectros que não têm existência consoante com o ser humano e os seus atos não têm consequências.

            Na terceira estrofe, o medo em silêncio, com angústia, transforma o «nós» em loucos, em fantasmas. Ele encontra-se “sem mais voz” e com o “coração nos dentes oprimido”. Ora, o coração é o espaço dos sentimentos e das emoções (a revolta, o desejo de liberdade, a coragem, etc.); estando «oprimido», tal significa que as pessoas estão silenciadas, não têm liberdade de expressão, não podem dizer o que sentem; assim sendo, de facto, não têm voz.

            A última estrofe apresenta o nós como um rebanho perseguido pelo medo, indiciando que se trata de um conjunto que perdeu a individualidade. Por outro lado, essas pessoas perderam o sentido da vida e, apesar de viverem em comunidade (“já vivemos tão juntos e tão sós”) cada um sente-se isolado.

            Outro recurso destacado no poema é a anáfora presente nos versos 1, 6 e 9 (“Perfilados de medo”), que reforça a ideia de que o «nós» vive «sem viver», devido ao medo; vive de forma mecânica, devido ao medo; vive-se a vida em silêncio, sem questionar a realidade que se «vive», devido ao medo. Em suma, as pessoas não vivem plenamente, devido (sempre) ao medo.

            A compreensão da mensagem do poema não pode ser desconectada do contexto em que foi produzido. Com efeito, ele surgiu pela primeira vez na obra Poemas com Endereço, publicada em 1962, isto é, em pleno regime ditatorial de Salazar – o Estado Novo, caracterizado por um ambiente de medo, perseguição e opressão que se abateu sobre o povo português, que viveu décadas sem liberdade, em constante medo e oprimido pelo tal regime.

            Em suma, o texto revela a oposição do poeta a uma forma de estar medrosa por parte dos portugueses, por isso podemos considerar que se trata de um panfleto contra o espírito conformado dos portugueses, que O’Neill abomina.

            Formalmente, o poema é um soneto constituído por 2 quadras e 2 tercetos, num total de 14 versos, todos decassilábicos. A rima é cruzada e emparelhada (de acordo com o esquema abab / baba / cdc / dcd), consoante (“loucura”/”segura”), pobre (“combatemos”/”seremos”) e rica (“voz”/”nós”).

Análise de "O seu santo nome"

             O título do poema remete para a Bíblia, que, em determinado passo, adverte o crente para não invocar o santo nome de Deus em vão.

            Neste caso, o «santo nome» em causa refere-se ao amor, apresentado como tão divino quanto o símbolo do sagrado. Assim sendo, não deve ser pronunciado em vão.

            Toda a composição poética assenta na anáfora, uma anáfora de carácter negativo. De facto, o advérbio de negação que está presente nos versos 1, 2, 3, 4, 5 e 8 estrutura esta espécie de lição sobre o amor em termos negativos, dado que o sujeito poético enumera um conjunto de atitudes que não devem ser tomadas face ao sentimento amoroso, para que o leitor aprenda o comportamento «correto» a adotar face ao amor.

            O primeiro verso do texto sugere, desde logo, tratar-se de uma palavra sagrada, daí ser necessário ter respeito por ela: “Não facilite com a palavra amor”. De seguida, o «eu» poético sugere que é perigosa, fugidia no que diz respeito ao seu significado, podendo mesmo gerar ambiguidade e complicações para quem a emprega. Mais do que usar de forma leviana a palavra «amor», o sujeito lírico defende claramente que, antes, se deve conhecer o seu valor, ou seja, deve saber-se primeiramente sentir aquilo para que ela remete.

            Note-se que a negação presente no poema é totalmente irónica. De facto, o «eu» adverte o leitor/tu sobre os perigos do amor, mas acaba por incitar à sua procura, no contexto de um mundo sem sentido e insensível. Neste seguimento, o último verso aponta para a necessidade de sentir. O santo nome do amor não deve ser pronunciado, mas, antes, sentir-se.

Autárquicas 2021: orgulho nos biscoitos

 

Análise de "O Recreio"

            Este poema é constituído por seis estrofes, três quadras e três tercetos intercalados entre si (o que exprime o ritmo monótono e regular do baloiço), nu cair no poço e m total de 18 versos, todos em redondilha maior, com rima cruzada e versos brancos (o 5, 11 e 17).

            Aparentemente, a composição descreve uma situação “simples”: uma criança brinca num baloiço situado à beira de um poço, correndo perigo de vida desde logo, aumentado pelo facto de a corda estar a esgarçar-se. A criança em questão é de tenra idade, dado que está de bibe, está sempre a brincar e revela total inconsciência do perigo a que está sujeita, como é evidenciado pela sua atitude negligentemente perigosa: baloiça perto de um poço, num baloiço em mau estado, cuja corda está esgarçada e, portanto, se encontra prestes a partir. Não obstante a probabilidade de cair no poço e morrer afogada, continua a baloiçar tranquilamente.

            O sujeito poético observa a situação e reage de forma indiferente e displicente, já que tem noção de que a corda está esgarçada, mas isso não parece incomodá-lo. Além disso, nada faz para retirar a criança da situação de perigo e até acaba por ironizar, ao afirmar que, se ela morrer afogada, se acabará a «folia», a brincadeira. Mais: acrescenta que poderia, se quisesse, mudar a corda, mas não o fará, pois essa mudança exigiria um grande esforço (“Seria grande estopada…” – v. 12) da sua parte. Perante a possibilidade de o menino morrer afogado, o sujeito poético não encara o facto como grave nem a possibilidade de o salvar. Pelo contrário, defende que deve continuar a baloiçar, isto é, a divertir-se enquanto está vivo. E conclui o poema (re)afirmando que seria fácil mudar a corda, mas admite que tal ideia nunca lhe ocorreu.

            O título é outro elemento bastante importante para a perceção do poema. De facto, se atentarmos na palavra de forma isolada, o nome «recreio» remete para um espaço que está associado a crianças, no qual estas brincam alegremente. Assim sendo, trata-se de um local conotado com a alegria e a diversão. As referências, no início do poema, ao «balouço» e ao «menino de bibe» parece, comprovar essas características do espaço do recreio. Contudo, à medida que a composição poética se desenvolve, a noção de recreio passa a estar associada à noção de perigo e eventual morte, inclusive da aceitação natural da mesma.

 

            Note-se, porém, relendo o primeiro verso, que o «balouço» está a baloiçar na alma do sujeito poético. Ora, isto significa que a leitura do texto não será tão simples como à partida pareceria. A imagem da Alma como sede de um baloiço (metáfora de instabilidade), à beira de um poço (símbolo de uma situação de risco), com a corda «esgarçada» (reveladora de perigo iminente) e utilizado por uma criança (totalmente inconsciente do perigo), configura uma forma insensata e insegura de viver. Esta noção é acentuada pelo movimento do baloiço, que pode traduzir o vazio repetitivo da sua vida.

            Neste contexto, o título terá uma dupla dimensão: descritiva (o baloiço, o menino a brincar) e irónica (a recusa da vida adulta e a aceitação da morte prematura).

            As duas primeiras estrofes descrevem a situação presente, no entanto, a partir da terceira, somos projetados para o futuro e para a incerteza que o caracteriza. Esse contraponto entre passado/presente e futuro é sugerido por várias antíteses e contrastes: presente/futuro, criança/adulto, sonho/realidade, ilusão/desilusão, vida/morte. Estes contrastes, por outro lado, são traduzidos pela ideia do movimento do baloiço, no seu constante vaivém.

            A corda que prende o sujeito aos polos positivos (a infância, o sonho, a ilusão) está a romper-se. Note-se que o verso entre parênteses remete para o interior do sujeito poético: o «eu» reconhece a situação perigosa em que se encontra, mas nada fará (mudar a corda) que a altere. Tratar-se-á de orgulho ou de uma saída, drástica, mas definitiva, para o seu problema existencial. Que tudo isto remete para a infância (enquanto tempo da ingenuidade, da inconsciência, da ausência de pensamento e de razão, e da alegria e felicidade) é confirmado pela expressão «Era uma vez» (v. 9), uma fórmula usada nos contos tradicionais populares e nas históricas infantis, traduzindo um tempo indefinido e indeterminado.

            O sujeito poético prefere a morte a uma mudança de vida e prefere morrer enquanto criança, em vez de no estado de adulto: “Mais vale morrer de bibe/Que de casaca…” – vv. 14-15). É preferível continuar a ser feliz enquanto se vive. Tratar-se-á de uma situação em que o «eu» recusa a vida adulta («de casaca») e prefere morrer prematuramente («de bibe»). Se quisesse, poderia mudar a corda, mas recusa tal ideia; ora, isto metaforicamente significa que o «eu» não quer mudar o seu «interior», não quer deixar de ser criança e tornar-se adulto, dado que as crianças não têm preocupações como os adultos, são ingénuas e felizes.

            Estas ideias são desenvolvidas em estrofes que alternam entre a quadra e o dístico (cada um iniciado por travessão): nas quadras descreve-se a situação, enquanto os dísticos constituem uma espécie de apartes, onde o sujeito poético revela a sua indiferença, o seu cinismo e até sadismo relativamente ao perigo e à morte. Esta alternância regular de três quadras e três dísticos gera um ritmo (binário) que traduz o movimento balanceado da imagem poética e, ao mesmo tempo, do desdobramento temático em duas instâncias: o narrador e a personagem (o «menino»). Por outro lado, tendo em conta as leituras do poema, o tom do texto, à primeira vista, ser ligeiro e inocente, na realidade, é de profunda tristeza e amargura.

            Note-se, ainda, que a composição poética contém uma estrutura narrativa, dado que o texto é desenvolvido com quem conta uma história, com as categorias próprias da narratividade:

• espaço: a «Alma» com o seu «balouço» e o seu «poço»;

• tempo: «sempre», «um dia» (presente – futuro);

• ação: os atos de baloiçar e brincar por parte da criança;

• personagens: o sujeito poético (o narrador) e o «menino de bibe».

Esta caráter narrativo do poema cria um efeito de distanciação, sugerindo o desdobramento do «eu».

            Estilisticamente, há a assinalar, além dos recursos já identificados, o apelo às frases reticentes, que deixam por concluir os comentários do sujeito poético, podendo também sugerir a sua indiferença. Por outro lado, são visíveis marcas de oralidade de registo familiar e expressões típicas da linguagem popular («Era uma vez»; «Cá por mim»; «Grande estopada»).

            E, de facto, Sá-Carneiro morreu jovem: suicidou-se aos (quase) 26 anos.

Análise de "A janela e as feras", de José Régio

             O poema, constituído por duas quadras e dois tercetos (soneto), abre com a referência a um hospício (localização espacial) onde há muitos residentes (“centos”), algo que, visto do exterior, não seria percetível. A entrada para o hospício é feita através de um portão que dança na dobradiça velha. A repetição da forma verbal «dança» sugere a entrada de mais doidos, ideia confirmada pela segunda parte do verso 4: “… e faz entrar mais a toda a hora”.

            Lendo a segunda quadra, apercebemo-nos de que os doidos que habitam no hospício têm uma experiência de vida marcada pelo sonho, pelo crime e pelo vício, e viveram o seu apogeu (“foram reis”) no passado remoto (“lá muito longe, outrora…”). Tendo em conta a última estrofe do texto, onde é explicitado o significado do hospício e dos doidos, podemos olhar para os versos 5 e 6 e concluir que os alienados são impulsos e desejos de sonho, crime e vício, isto é, são impulsos que, se se manifestassem, se se concretizassem, levariam a esses comportamentos nocivos e destrutivos. Neste contexto, o verso 6 significa que esses impulsos reinaram já no passado do sujeito poético. Olhá-los nos olhos causa medo e angústia. Porquê? Porque têm uma natureza hedionda e ameaçadora, além de uma potencialidade destrutiva. Presentemente, os doidos encarcerados sentem-se ansiosos, envergonhados, perturbados e inquietos por estarem aprisionados naquele hospício.

            O segundo terceto reproduz uma fala do sujeito poético (marcado pelo travessão) dirigida ao seu corpo (apóstrofe), que é, afinal, o hospício de alienados. Assim sendo, compreendemos agora que o hospício simboliza o «eu» poético, representando os doidos, os alienados os impulsos, as tentações e os desejos que nele vivem. Os doidos (isto é, os impulsos e desejos) estão «enjaulados», presos, no «eu» lírico porque este se vê forçado a mantê-los aprisionados, a não deixar que se manifestem.

            Nesse mesmo terceto, o sujeito poético exorta os seus desejos e os seus impulsos a libertarem-se da «jaula», isto é, da contenção que ele lhe impõe? Como se justifica este desejo? O «eu» quer que os seus impulsos e desejos o controlem (ao contrário do que tem sucedido até aqui) e destruam a sua vida, que se norteia pelas regras racionais e sociais. Nesta estrofe derradeira, além da apóstrofe e da exclamação, predomina a personificação, visto que os desejos são representados como loucos exaltados e agressivos, dando conta da sua ferocidade e da ansiedade que têm em sair da sua prisão.

            Note-se, por último, que a composição poética constitui uma alegoria, visto que o «eu» e os seus desejos são retratados através de uma sucessão de símbolos e metáforas interligados que se materializam na imagem de um hospício (o «eu», o seu corpo) com os seus loucos (os seus impulsos e os seus desejos).

Autárquicas 2021: agora sem mãos!

 

Análise de "Pastelaria", de Mário Cesariny Vasconcelos

             Este poema de Cesariny de Vasconcelos é constituído por oito dísticos e um terceto. Nele, o «eu» poético, socorrendo-se da anáfora e da ironia, tece uma crítica a vários comportamentos do indivíduo em sociedade. Estes recursos insinuam, de forma subtil, que as opiniões apresentadas pertencem a outros que não o sujeito poético, e através deles este exprime o seu desencanto e a crítica a um quotidiano limitado e superficial.

            Que aspetos da vida humana não têm importância? Não importam a literatura, a crítica de arte e o cinema (?) / a fotografia (?) [“a câmara escura”], isto é, a expressão através das artes; o negócio, uma vida profissional bem-sucedida, a riqueza e o ócio / a falta de uma ocupação; a juventude e ser galante, dado que se «fabricam»; gente com fome, isto é, problemas sociais.

            E o que importa? O que tem importância é não ter medo / ser corajoso, cair no vício verticalmente (ou seja, atual impulsivamente e ter comportamentos autodestrutivos?; existirá na referência ao vício uma alusão à homossexualidade do poeta, que lhe valeu perseguição policial?); ser-se destemido e arrogante (“não ter medo de chamar o gerente”); ser-se cínico, superior e desprezar os outros (“rir de tudo” – v. 17). Para os outros, representados pelo «rapaz» do verso 9, a vida prossegue: “E amanhã há bola [futebol], madame blanche [bordel] e parola” [conversa e má-língua]. Porém, o que realmente importaria seria “não ter medo / de chamar o gerente e dizer muito alto ao pé de muita gente: / Gerente! Este leite está azedo!” (vv. 13 a 15), ou seja, questionar o regime, contestá-lo, denunciá-lo publicamente.

            São visíveis no poema várias preocupações sociais (por exemplo, com a pobreza) e críticas (por exemplo, à mediocridade e ao egoísmo, à superficialidade e à valorização das aparências – v. 19 – em detrimento da essência das coisas, à indiferença com os problemas sociais – como a fome –, à arrogância e à soberba, à vaidade e ao desprezo pelos outros – vv. 16-17).

            Relativamente ao título, uma pastelaria é um lugar onde se patenteiam comportamentos fúteis e superficiais por parte de determinados grupos sociais.