Apreciação crítica: análise do quadro "Golconde", de René Magritte

 Plano de texto

Introdução (1.º par.) – Identificação da pintura, do autor e aspetos da obra.

Desenvolvimento: descrição, análise e avaliação:

2.º par.: do cenário;

3.º par.: das figuras humanas;

4.º par.: do tema do quadro.

Conclusão (5.º par.) – Ideia central retirada sobre a pintura.

Introdução

Título:

Um mundo diferente

    O quadro “Golconde”, pintado em 1953 por René Magritte, poeta surrealista de origem belga, nascido em 1898 e falecido em 1967, representa uma cena intrigante, que rompe com as leis do mundo que conhecemos e nos traz para uma realidade marcada pelo maravilhoso.

Desenvolvimento

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Cenário

    A pintura retrata um cenário urbano e tem como pano de fundo um conjunto de prédios alinhados, que preenchem a parte inferior e lateral da tela. Foi engenhosa a ideia de representar, deliberadamente, edifícios monotamente semelhantes: retilíneos, germinados, formando um contínuo. Todas as paredes estão pintadas da mesma cor – castanho claro –, as janelas possuem todas a mesma forma retangular, os telhados exibem o mesmo tom de vermelho. Certo é que a conjugação das cores torna este conjunto arquitetónico harmonioso. Por outro lado, nesta selva de cimento, o céu, pintado com matizes atraentes de azul claro, é o elemento que confere vida à cena representada.

Desenvolvimento

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Figuras

    Esta paisagem citadina revela-se claustrofóbica também porque o espaço deixado vazio pelos edifícios é preenchido por dezenas de figuras humanas masculinas que se encontram suspensas no ar, do topo à base da pintura, do primeiro ao mais remoto plano. Não há sinais de movimento, mas as personagens podem ser sempre a mesma figura: um homem de sobretudo preto e com um chapéu de coco também preto. Deste modo, cria-se a ilusão, bem conseguida, de as personagens se multiplicarem infinitamente.

Desenvolvimento

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Tema

    Numa das interpretações possíveis, “Golconde” representa, de forma genial, a sobrepopulação das cidades. Efetivamente, podemos nele ver uma crítica bem construída ao facto de as cidades serem lugares claustrofóbicos (daí os prédios) povoados por um número excessivo de pessoas. Assim se sugere que este não é o espaço harmonioso para o ser humano viver. Mais ainda, o facto de todos os homens se assemelharem é um indício preparado com grande subtileza para denunciar que a cidade gera pessoas iguais, monotamente indistintas.

Conclusão

    Concluindo, este é um quadro fascinante que representa uma cena de um mundo diferente do nosso, mas que nos refletir sobre o nosso próprio mundo.

Viver no presente

Dave Whamond

Análise do poema "A abelha que, voando, freme sobre", de Ricardo Reis

    Nesta ode, Ricardo Reis socorre-se de um inseto, uma abelha, para demonstrar o contraste entre a mudança que ocorre na vida do ser humano e a imutabilidade da Natureza.

    Assim, neste poema de três quadras, o «eu» começa por descrever uma situação em que uma abelha, ao aproximar-se de uma flor e ao pousar nela, se confunde com esta aos olhos de quem não presta atenção, “À vista que não olha”. A ideia expressa na primeira quadra apenas se conclui no primeiro verso da segunda (transporte): a abelha não mudou desde a Antiguidade, representada por Cecrops, o lendário fundador e rei de Atenas (entre 1558 e 1508 a.C.), que ensinou aos gregos a leitura, a escrita, o casamento e o cerimonial do sepultamento.

    Pelo contrário, o “ser que se conhece”, isto é, o ser humano, que tem consciência de si mesmo e da sua individualidade, ao contrário do que sucede com os elementos da Natureza, envelhece de forma distinta dos outros membros da sua espécie. Dito de outra forma, o ser humano tem consciência de que envelhece, é diferente dos outros seres e vai morrer, ou seja, conhece-se.

    A «abelha» é a mesma que outra que não ela.”, isto é, é igual a qualquer outra abelha, de qualquer época, sem diferença ou individualidade, ao contrário dos seres humanos, que, marcados pelo tempo, pela alma, pela vida e pela morte (atente-se na enumeração e sucessão de apóstrofes), «compram» (metáfora) “Ter mais vida que a vida”, ou seja, procuram algo mais do que a vida naturalmente lhes oferece (sonhos, desejos, arte, cultura, etc.). Essa demanda é, todavia, mortal, já que implica sofrimento e dor, desde logo porque o Homem está condenado à morte, que tudo reduz a pó. Mas não é esse, afinal, o desejo do ser humano, isto é, ser diferentes dos demais animais e não se limita a viver? “Ter mais do que a vida”.

    Assim, neste poeta, o «eu» poético estabelece o contraste entre o ser humano, a única entidade que é consciente de si mesma, e os outros animais, representados aqui pela abelha, que são iguais e imutáveis. Além disso, o ser humano envelhece e morre de forma diferente dos outros animais, exatamente porque é um ser consciente, desde logo de si, e, por isso, sabe que envelhece e morre e esta consciência, este saber que, provocando-lhe dor, angústia, sofrimento. Enquanto ser irracional, a abelha de nada tem consciência, daí que não sofra, por exemplo, com a passagem do tempo, o envelhecimento e a morte. A abelha é a mesma desde a Antiguidade, o ser humano envelhece e diferencia-se dos outros elementos da sua espécie, é único e mortal.

    Em suma, para Ricardo Reis, a questão que diferencia o ser humano e os animais é a mortalidade do primeiro e a imortalidade dos segundos, neste caso não em sentido literal, mas figurado, ou seja, a abelha, o exemplo de que se socorreu o poeta, é tomada como um elemento de uma espécie [morre uma abelha, nasce(m) outra e assim sucessivamente]. Pelo contrário, o Homem é encarado, não em termos de espécie, mas como ser individual.

Análise do poema "As mãos da noite postas sobre a mesa : uma palma", de Manuel Gusmão

 

As mãos da noite postas sobre a mesa : uma palma

As mãos da noite postas sobre a mesa : uma palma

oblíqua à espera da surda cabeça da manhã:

– a outra escura como se abrem as folhas do chá.

 

Uma recordação e a sua névoa; um rosto indeciso

entre o sono e o sonho, entre o corpo do brilho

e a cintilação da noite :  as figuras quebradas.

 

A ondulação é mais pressentida que avistada. Pode

ser apenas a circulação do sangue no animal ereto,

a tremulante auréola dos fetos arbóreos. Ou

 

a luz que sobe da mesa onde as mãos esperam, ou

do chão sobre que dançamos a dança. Tomo

irrepetível a curva infinita de uma linha, onde

O teu corpo não cessa de ter nascido. Não cessa

    Este poema de Manuel Gusmão abre com uma imagem das mãos da noite – personificada – postas sobre a mesa, indiciando uma atmosfera de silêncio, espera, contemplação. O que simbolizará a peça de mobiliário? Um local de espera? De encontro? De espera? Uma das palmas é ou está oblíqua, isto é, inclinada desviada, sugerindo uma atitude de espera, enquanto a outra é escura, como as folhas de chá que se abrem na água quente. A comparação que aqui é feita indicia uma atitude de mistério, de profundidade e revelação, a partir da alusão à noite e à escuridão. Por outro lado, associa a mão a um movimento ou abertura subtil (“como se abrem as folhas do chá”), que remete para uma revelação gradual que se vai operando. Recuando ao verso anterior, a mão cuja palma é oblíqua está à espera da “surda cabeça da manhã”, ou seja, à espera do nascer do sol, que sucede sem se ouvir. O amanhecer surge silenciosamente.

    Na segunda estrofe, o sujeito poético alude à memória, que está envolta em «névoa», isto é, estamos perante uma memória que não é clara, que é vaga ou distante. O “rosto indeciso” representa a indefinição “entre o sono e o sonho”, entre o corpo do brilho e a cintilação da noite, o que pode constituir uma imagem poética que aponta para uma fronteira entre a vigilância e a sonolência.

    O terceiro terceto apresenta-nos uma ondulação apresentada como algo pressentido, não necessariamente visto, isto é, trata-se de um movimento suave e ritmado que é mais sentido do que visto, mais intuído do que percebido. O «eu» poético coloca em questão se essa ondulação pode ser apenas a circulação do sangue no animal ereto, isto é, no ser humano. Pode referir-se também à “tremulante auréola dos fetos arbóreos”, quer dizer, a luz que se reflete nas folhas dos samambaias, plantas antigas e resistentes que simbolizam a vida e a renovação. Pode ainda ser “a luz que sobe da mesa onde as mãos esperam”, ou seja, a claridade que se eleva da mesa onde as mãos descansam, a claridade que brota do local onde a noite está presente. A referência ao “chão sobre que dançamos a dança” (pleonasmo) aponta para uma ligação à terra e para o caráter terreno e ritualístico da vida, uma expressão artística – a dança –, uma celebração da vida. A dança desde sempre constitui uma forma ritualizada de celebração com múltiplos significados, desde ritos de agradecimento ou de celebração dos deuses até formas de sedução do outro. O recurso à conjunção coordenativa disjuntiva «ou» indicia a multiplicidade de interpretações possíveis.

    Os dois últimos versos oferecem diferentes possibilidades de interpretação. A forma verbal «tomo» remete para uma escolha: ele toma irrepetível a curva infinita de uma linha, na qual o “teu corpo não cessa de ter nascido”, isto é, o corpo do «tu» (a pessoa amada? a vida?) está em constante renovação e transformação.

O tema do sacrifício do filho / A intertextualidade no conto "A Aia"

    O tema do sacrifício do filho surge em textos seminais do Oriente, como, por exemplo, a Bíblia, através de Abraão, e a mitologia grega, através de Ifigénia, personagem da Ilíada.

    Na Bíblia, no Génesis, Abraão oferece o seu filho primogénito, Isaac, em sacrifício para provar a sua fidelidade à divindade. Ora, o ritual é interrompido pelo próprio Deus, que considera que o gesto de Abraão constitui já prova de amor e adoração.

    Há uma relação entre o gesto de Abraão e a atitude da aia: a lealdade. Tal como sucede com a figura bíblica, também no conto de Eça se confrontam a fidelidade a um Senhor e o amor ao filho. No entanto, na casa da ama de leite, a lealdade é levada ao extremo, tanto que o amor de mãe se torna secundário perante a submissão à rainha e aos interesses do reino. Ao contrário do que sucede na narrativa bíblica, o sacrifício do filho da aia não é interrompido por nenhum Deus piedoso; o seu filho não é substituído pelo cordeiro, antes se torna o cordeiro que substitui o príncipe.

    O episódio da Ilíada tem contornos semelhantes: o sacrifício de Ifigénia. Agamémnon provocou a ira de...

    Continuação da análise: aqui.

Relação do conto "A Aia" com os contos de fada

    A expressão “Era uma vez” remete-nos para o mundo atemporal da fantasia, bem característico dos contos de fadas.

    Por outro lado, a lealdade da aia à rainha e ao pequeno príncipe, traduzida em última análise no facto de tirar a vida ao próprio filho para salvar a do futuro rei, sugere uma aceitação e uma felicidade em ser servo. Essa servidão atinge o auge no momento em que a serva sacrifica o próprio filho, tornando o amor de mãe em secundário para que a lealdade à rainha e ao reino seja superior e prevaleça.

    Deste modo, a felicidade parece estar reservada aos nobres: quem vai viver e ser feliz é o príncipe e não o bebé escravo. Por outro lado, o bem público parece prevalecer sobre...

    A análise continua aqui → a-aia-e-os-contos-de-fadas.

A moralidade do conto "A Aia"

 

• O conto exemplifica a eterna luta entre o Bem e o Mal. A aia, a rainha e a população do reino, por exemplo, representam o Bem: a aia é leal, sente ternura pelo príncipe e comporta-se de forma admirável; a rainha tem amor pelo escravozinho, sente-se “desventurosa” por o reino estar em perigo e “ditosa” pela salvação do filho; o reino tinha “casais e aldeias felizes” e a população era “fiel” e recompensava quem praticava boas ações. Por seu turno, o bastardo e a sua «horda» representam o Mal: o irmão do rei é caracterizado como “bastardo cruel”, “homem depravado e bravio”, “um homem de rapina”, que, com a sua horda, executa a matança.

 

• Por outro lado, Eça pretendeu criticar a sociedade do seu tempo, o século XIX, nomeadamente a escravidão e a inferioridade do negro. Apesar de o herói ser uma mulher, escrava e negra, essa ascensão da aia só vem acentuar as diferenças sociais.

 

• Eça tem em mira o pensamento dogmático e conservador que estipula a soberania do rei sobre o súbdito, do nobre sobre o plebeu, do rico sobre o pobre; em suma, do senhor sobre o servo que, ao reconhecer essa suposta soberania, é impelido ao sacrifício extremo.

 

• Alegoricamente, o tio representa as fissuras da ordem colonialista. Deste modo, Portugal, na sua dimensão intercontinental, apresenta-se como serva possuidora de um filho de pele escura que é capaz de sacrificar em defesa do “status quo”, particularmente das suas relações com a Inglaterra.

 

• O conto condena a ambição desmesurada e exalta a fé, a lealdade e a fidelidade, socorrendo-se de um tempo passado, longínquo, mas que porta consigo uma certa autenticidade, na esteira das narrativas tradicionais, como a fábula e a lenda, que são portadoras de uma verdade que ratifica valores coletivos. Ao retomar essa tradição narrativa de base oral, Eça, através da figura da aia, apresenta ao leitor valores como a lealdade, a fidelidade e a fé. Disseminados pelo poder e, uma vez assimilados pelos dominados, esses valores perpetuam a dominação.

 

• Publicado em 1893, o conto surge pouco depois do Ultimatum inglês, que colocou Portugal numa situação de submissão e humilhação face à Inglaterra, nomeadamente no que diz respeito à posse das colónias africanas de Chire e das regiões habitadas pelos Macalocos e os Machonas, sob a ameaça de rompimento diplomático (que implicaria perdas económicas incalculáveis) e a invasão da esquadra britânica em Gibraltar. Assim, Portugal passaria da condição de poderoso colonizador com posição de destaque no cenário europeu desde o século XVI, à posição de nação serva e subjugada ao poderio inglês. Tal episódio representa a decadência gradativa do país. O facto de a ação se localizar na Índia, território que Portugal sempre quis atingir, remete para o poderio do império marítimo português, que teve como uma das suas principais conquistas a rota para as Índias em 1492, e tal poderio sucumbia às mãos das imposições inglesas. Assim, Eça pretenderia, com este conto, abordar simbolicamente a situação histórica vivida pro Portugal naquela época.

 

• Numa leitura alegórica, a morte do rei – além de ecoar, por similitude – o desaparecimento de D. Sebastião – parece aludir à perda dos ideais colonialistas nostalgicamente evocados através da referência à longínqua Índia, com todos os seus tesouros: “pedrarias, galas e céus sumptuosos”.

A linguagem do conto "A Aia"

• Advérbio de modo:

- “magnificamente”, “desoladamente”, “ansiosamente”: contribuem para expressar a emoção da rainha após a morte do rei;

- “Serva sublimemente leal!”: o advérbio de modo e a exclamação realçam a fidelidade da serva.

 

• Diminutivo (“filhinho”, “principezinho”, “criancinha”, “corpinho”, “escravozinho”): traduz o carinho que rodeia os dois bebés e realça a forma como a rainha vê o seu filho, isto é, como um ser humano frágil e indefeso (“filhinho”), que urge defender; caracterizam os bebés, acentuando a sua fragilidade e insegurança.

 

• Verbos expressivos:

- “tremia”: exprime o receio e a preocupação da Aia pelo principezinho, por causa da sua fragilidade;

- “Então […] arrebatou o príncipe do seu leito de marfim”: o verbo «arrebatar» evidencia a rapidez e a convicção com que a aia troca as crianças de berço.

 

• Adjetivação expressiva:

- contribui para a caracterização das personagens: “bela e robusta escrava”, “cabelo louro e fino”, “pobre e de verga”, “cabelo negro e crespo”;

- indicia a preocupação, a ansiedade e a angústia com o destino do principezinho e o seu crescimento: “longa distância”, “anos lentos”;

- “beijos pesados e devoradores”: a dupla adjetivação posposta ao nome realça o afeto, o carinho, o amor que a asia nutre pelo filho.

 

• Metáforas:

- “faminto do trono”: exprime o forte desejo do trio por usurpar o trono e o ocupar;

- “E sem que a sua face de mármore perdesse a rigidez” → realça a rigidez e a lividez da face da Aia, sugerindo a sua apatia e ausência de vida;

- “cabelos de ouro”: os cabelos louros do principezinho;

- “a flor da sua nobreza”: sugere que os que pereceram faziam parte da elite da nobreza, eram os melhores dentre os melhores;

- “Uma roca não governa como uma espada”: a metáfora e a comparação enfatizam o poder desigual e a fragilidade da mulher (“roca”) em relação ao homem (“espada”) numa sociedade tradicional, isto é, uma mulher não tem a capacidade guerreira de um homem – a rainha é incapaz de defender o reino após a morte do rei;

- “O bastardo, o homem de rapina […]”: a metáfora mostra o caráter violento e cruel do tio do príncipe; por outro lado, o uso do determinante artigo definido confere-lhe um sentido de generalização e singularidade, como se ele fosse o único e o pior de todos os seus semelhantes;

- “acendeu um maravilhoso e faiscante incêndio de oiro e pedrarias”: sugere o brilho intenso produzido pelo tesouro do palácio, bem como a sua beleza a extrema riqueza;

- “… valia uma província.”: sugere que o punhal escolhido pela aia era muito valioso.

 

• Comparações:

- “de face mais escura que a noite e coração mais escuro que a face” (vide hipérbole):

- “Os olhos de ambos reluziam como pedras preciosas”: realça a beleza e o brilho dos olhos dos bebés;

- “à maneira de um lobo”: intensifica o caráter cruel e selvagem do tio;

- “Nenhum pranto correra mais sentidamente do que o seu pelo rei morto”: mais do que qualquer outra pessoa, a aia chorou copiosa e sentidamente a morte do seu rei;

- “Só a ama leal parecia segura – como se os braços em que estreitava o seu príncipe fossem muralhas de uma cidade…”: a comparação aponta para as ideias de proteção e coragem. A ama leal é a personagem que cuida do filho da rainha, que está em perigo por causa de um inimigo que ataca o reino. A comparação entre os braços da ama e as muralhas de uma cidade sugere que ela é capaz de defender o príncipe com a sua força e determinação, mesmo que esteja cercada de medo e insegurança. A comparação também cria um contraste entre a fraqueza da rainha, que apenas sabe chorar, e a firmeza da ama, que parece segura;

- “… um corpo tombando molemente sobre lajes, como um fardo”: indica o modo como o corpo do tio caiu, morto, no chão, isto é, de forma simultaneamente mole e pesada;

- “A mãe caiu sobre o berço, com um suspiro, como cai um corpo morto.”: traduz a ideia de que a rainha perdeu toda a esperança e a vontade de viver, pensando que o príncipe foi morto pelo seu tio. Por outro lado, a forma como ela cai, com um suspiro, sobre o berço, indicia a sua dor e a rendição à situação;

- “Nos seus clamores havia, porém, mais tristeza do que triunfo.”: sugere que os habitantes da cidade, que acabaram de derrotar o inimigo que os ameaçava, não sentem alegria nem orgulho pela sua vitória, mas sim dor e luto pelos seus mortos;

- “… seria no Céu como fora na Terra.”: sintetiza a visão do mundo e as crenças da aia;

- “… arrancou a criança, como se arranca uma bolsa de oiro”: acentua a violência do ato (rapto do bebé) e a sua motivação (o dinheiro).

 

• Exclamações:

- “Pobre principezinho da sua alma!”: traduz a ansiedade e a preocupação em torno do crescimento do principezinho, face à sua fragilidade e aos perigos que o cercam.

 

• Repetição:

- “forte pela força e forte pelo amor”: reforça a ideia de grandeza do reino, nascida não só da força, mas também do amor.

 

• Antítese:

- “cabelo louro e fino” / “cabelo negro e crespo”: marca o contraste físico entre os dois bebés – o príncipe e o escravo;

- “mãe ditosa” / “mãe dolorosa”: a mãe ditosa é a rainha, que fica feliz por o seu filho estar vivo e salvo, enquanto a mãe dolorosa é a Aia, que está triste e repleta de dor pela perda do seu filho.

 

• Eufemismo:

- “[…] os seus pajens tinham subido com ele às alturas”: suaviza a morte dos pajens, o que está de acordo com as crenças da aia num mundo para além da morte;

- “O seu cavalo de batalha, as suas armas, os seus pajens tinham subido com ele às alturas.”: traduz a ideia de morte e a crença da aia na vida no céu enquanto réplica da vida terrena. De facto, para a personagem, o céu reproduz a estrutura social existente na terra, mantendo o rei e os seus súbditos a hierarquia vivida na terra. Esta crença envolvia os próprios animais: “O seu cavalo de batalha, as suas armas, os seus pajens tinham subido com ele às alturas.”;

- “… sucumbira, ele e vinte da sua horda.”: traduz a morte do tio bastardo e dos seus soldados.

 

• Hipérbole:

- “de face mais escura que a noite”: exprime o caráter tenebroso e desprezível do irmão do rei, estabelecendo a correspondência entre os traços exteriores e os interiores.

 

• Aliteração:

- “passos pesados”: a aliteração em “p” marca a cadência sinistra dos passos (podemos considerar esta expressão também uma hipálage)

- “forte pela força e forte pelo amor”: a aliteração em “f” sugere a fragilidade do príncipe, que não tinha quem o protegesse e defendesse.

 

• Enumeração:

- “refulgiam os escudos de ouro, as armas marchetadas, os montões de diamantes, as pilhas de moedas, os longos fios de pérolas”: sublinha a valia / a riqueza do tesouro.

 

• Interrogação:

- “Que bolsas de ouro podem pagar um filho?”: o narrador suscita a reflexão sobre o valor / o preço da vida humana – um filho não tem preço.

 

• Determinante artigo indefinido:

- “Era uma vez”; “um reino abundante”, um rei”:

→ não permite determinar com precisão o tempo histórico e o tempo cronológico (intemporalidade);

→ não permite determinar com precisão o espaço físico:

→ contribui para a exemplaridade da história, cuja mensagem, cujo teor humano pode ser aplicado a muitos tempos e lugares;

→ traduz o anonimado das personagens.

 

• Determinante artigo definido:

- “O bastardo, o homem de rapina […]”: vide metáforas.

 

• Sensações auditivas e visuais:

- as sensações auditivas relevam a solenidade do momento e o acontecimento trágico que lhe deu origem: “(…) respeito tão comovido que apenas se ouvia o roçar das sandálias nas lajes. As espessas portas do tesouro rolaram lentamente.”; “Um longo «Ah!», lento e maravilhado, passou por sobre a turba que emudecera. Depois houve um silêncio ansioso”; “Todos seguiam, sem respirar […]”;

- as sensações visuais relacionam-se sobretudo com a descrição da “câmara dos tesouros”, destacando-se as notações de luz e brilho (que servem também para marcar o tempo cronológico – “a luz da madrugada, já clara e rósea”): “acendeu um maravilhoso e faiscante incêndio de ouro e pedrarias!”; “reluziam, cintilavam, refulgiam os escudos de ouro, as armas marchetadas, os montões de diamantes, as pilhas de moedas, os longos fios de pérolas”; “refulgência preciosa”.