 |
Joe Heller |
sábado, 15 de outubro de 2022
Análise do capítulo XXI de Iracema
Este capítulo começa pela descrição da natureza e dos costumes da viagem. Esta acontece, porque Martim sente que Iracema se devia afastar daqueles que eram inimigos do seu povo, para não estar tão triste. Mas progressivamente Martim começa a afastar-se de Iracema e Poti; sente necessidade de estar só, o que é reflexo da sua dualidade: saudade da pátria e amor por Iracema. Esta sabe o que se passa, apesar de ele se calar na sua presença.
Análise do capítulo XX de Iracema
Temos uma descrição da natureza, dos sítios por onde passavam e da vida do dia a dia e dos seus costumes. Iracema continua com o seu coração dilacerado pelo conflito entre a dor motivada pelo afastamento da sua tribo e o amor por Martim, que tudo compensa e que a há de perder. Esta situação de dependência é perigosa, sobretudo quando o herói é um herói romântico, que não sabe o que quer. As imagens que caracterizam Iracema ligam-se à terra, enquanto as de Martim se ligam ao mar, que representa a sua saudade e anseio. Iracema sente a alegria com que Martim revê a praia e, ao mesmo tempo, sente toda a fatalidade que irá cair sobre ela.
Se até ao capítulo XV, houve um progresso de união entre ambos, a partir do momento em que essa união se concretiza, inicia-se um processo inverso de separação que se começa a evidenciar aqui.
Análise do capítulo XIX de Iracema
Este é o capítulo mais simbólico. Poti oferece o seu cão a Martim como elemento de ligação entre ambos e este abraça a jatobá, a árvore que viu nascer Poti, como forma de cimentar essa amizade. São dois elementos simbólicos da fidelidade.
É também curiosa a imagem que nos é dada de Iracema: é uma imagem muito poética, suave e dotada de uma certa melancolia. Ela aparece sempre descrita como um elemento pequeno: uma ave. Se o jatobá e o cão constituem elementos simbólicos da amizade entre Martim e Poti, Iracema aparece como um terceiro membro desse triângulo. Há uma justaposição da amizade de Martim por Poti à fidelidade que o liga agora a Iracema.
Análise do capítulo XVIII de Iracema
Neste capítulo, dá-se a narração da luta entre os tabajaras e os pitiguaras, que saem vencedores. Iracema acompanha Martim como esposa, mas sofre com o conflito entre o que sente pelo guerreiro branco e o sentimento de traição à sua tribo que se começa a apoderar dele. É um espinho que nela começa a picar: "Os olhos de Iracema, estendidos pela floresta, viram o chão juncado de cadáveres de seus irmãos... Aquele sangue, que enrubescia a terra, era o mesmo sangue brioso que lhe ardia nas faces de vergonha." Isto ajuda a caracterizar mais uma vez Iracema como esposa fiel. Ela é valorizada pela sua coragem e pelo seu sentido de sacrifício.
Análise do capítulo XVII de Iracema
Essa expectativa é quebrada neste capítulo. Iracema revela o que tinha acontecido e assume as consequências, isto é, o afastamento da sua tribo. Martim não sabe como reagir, mas os seus atos são sempre dirigidos pelo seu sentir. Em Martim, há que separar o nível emocional e o racional.
A fala de Poti sobre o amor é importante, na medida em que pensa que o amor é como o cauim, etc. É uma imagem que corresponde a uma linguagem que não é típica do índio, é marcada pelo romantismo europeu.
A imagem construída de Martim é feita segundo os moldes europeus idealizados. No final do capítulo, ele assume tudo o que aconteceu, a situação e a sua ligação com Iracema - o facto de a considerar como sua esposa.
sexta-feira, 14 de outubro de 2022
Análise do capítulo XVI de Iracema
Há uma descrição de todos os ritos dos guerreiros. A nível de estratégia narrativa, a parte descritiva do capítulo retarda a ação e há uma certa suspensão: espera-se que aconteça algo de importante.
A seguir a esta descrição, Iracema vai ao encontro de Martim e fogem juntos. De facto, este é um capítulo de suspensão: funciona como um retardamento da ação, criando-se com as descrições uma expectativa no leitor.
Análise do capítulo XV de Iracema
Este capítulo constitui o centro da obra, pela importância de que se reveste. No início, descreve-se um ambiente de calma, que se opõe ao sentimento interior das personagens. Há um adensar do trágico, algo de indomável que se cria.
Se o início era de ambiente de calma, em todo o resto do capítulo há um adensar do trágico, até se atingir o clímax. Iracema, segundo as leis da sua tribo, não podia ser possuída por Martim e é nesse sentido que se adensa o trágico. Martim age inconscientemente; só o ato de Iracema é voluntário e consciente. A única forma de ele ser feliz com Iracema é no sonho e é por isso que ele pede a bebida.
Análise do capítulo XIV de Iracema
Irapuã aproveita o facto de os outros estarem bêbados, para satisfazer os seus desejos de vingança. Um aspeto que caracteriza positivamente Martim é o reconhecimento do que Iracema faz por si. Por outro lado, ele começa a confiar mais nela e a aceitar os seus conselhos.
Análise do capítulo XIII de Iracema
Dá-se o encontro de Iracema com Poti. Martim não consegue abarcar verdadeiramente a realidade; Iracema pensa sempre mais além que ele. É ela quem tem coragem e firmeza para tomar as iniciativas: caracterização positiva do elementos indígena.
Temos nestes capítulos o adensar da intriga através de um conjunto de factos. Todas as descrições e factos têm uma função: são elementos funcionais, ou seja, estão em função da construção das personagens principais, da definição do seu caráter. As figuras melhor caracterizadas e a quem os factos se ligam são Iracema e Martim. A jovem é sempre caracterizada positivamente: corajosa, fiel, de vontade imutável. São estas qualidades que fazem com que o seu amor se mantenha uno e decidido, ao contrário de Martim, que se mostra indeciso. Ela sabe da existência da "virgem loura", mas não desiste do seu amor. Estes episódios mostram o seu comportamento positivo, que se distingue de Martim pela sua superioridade.
Martim é o reflexo da duplicidade do herói romântico. Ele oscila entre o amor a Iracema e a saudade da pátria. E é esta oscilação que o vai caracterizar negativamente e colocar numa posição inferior a Iracema, principalmente quando esta tem perfeita consciência dessa dualidade. Martim apresenta frequentemente um comportamento orgulhoso e excessivo; chega mesmo a mostra desprezo quando Iracema o defende. É valente e corajoso, mas raramente o mostra no momento oportuno. Raramente entende o sacrifício que Iracema faz em prol do seu amor. Temos ainda de notar as diferenças entre ambos: raça, condição social, religião, tribo. Estas diferenças situam-nos em campos opostos. Isto vem valorizar o elemento indígena e idealizá-lo.
Análise do capítulo XII de Iracema
Temos mais elementos que caracterizam positivamente Iracema, que arrisca tudo e todos para defender o seu guerreiro branco. Ouve-se um canto de gaivota, que ela desconhece por ser um elemento ausente do seu ambiente, mas Martim reconhece-o como sendo o grito de Poti, seu amigo pitiguara. Martim quer ir ao seu encontro, mas Iracema não o permite, porque pode ser apanhado por Irapuã e predispõe-se ela a ir em seu lugar. A boa vontade e sacrifício de Iracema estão bem patentes quando afirma: "Não queres tu que morra Iracema, e queres que ela te deixe morrer!"
quinta-feira, 13 de outubro de 2022
Análise do poema "Descreve com mais individuação a fidúcia..."
Neste poema, Gregório de Matos
satiriza as ações do homem estrangeiro que ia enriquecer na Baía à custa do
trabalhador baiano. Assim sendo, nesta longa composição de 192 versos, o
sujeito poético descreve situações que evidenciam a insatisfação resultante das
ações de determinadas personagens que habitavam na Baía, no período colonial.
O poema abre com uma invocação
(apóstrofe) à Baía, humanizada e tratada de forma formal, evidenciando respeito
por ela, como se estivéssemos perante um diálogo entre um «eu» e um «vós».
Os primeiros quatro versos assentam
na antítese madrasta/madre: a cidade de Baía constitui o centro do discurso
poético e, desde já, o sujeito lírico expõe o tratamento dado àqueles que
exploram os bens do lugar: “Haverá duzentos anos, / (nem tantos podem
contar-se) / que éreis uma aldeia pobre, / e hoje sois rica cidade.” Estamos já
perante o foco da composição: a crise que a cidade enfrentava. De facto, por
causa das crescentes barreiras alfandegárias impostas à comercialização dos
açúcares brasileiros nos mercados europeus pela Inglaterra, França e Holanda,
que dominavam a produção nas Caraíbas e no Oriente, os estoques acumulavam-se
em Lisboa, que era incapaz de escoar o produto pelas razões apontadas. Para
tornar os preços competitivos, a partir de 1675, a Coroa portuguesa determinou
a redução dos preços, o que afetou os rendimentos da burguesia e do clero,
elevou o valor dos escravos e o do cobre, do ferro e do breu, fundamentais para
o funcionamento dos engenhos. Deste modo, os senhores ficam descapitalizados, o
que os leva a recorrer ao crédito, à incapacidade de saldar as dívidas, às
execuções, falências e ao fogo morto. Em simultâneo, a moeda petropolitana de
prata e ouro desvaloriza, cujo valor facial se torna inferior ao da moeda que
circula no Brasil, o que motiva a evasão do metal para Portugal, acompanhada da
alta dos géneros. Esta crise atinge o auge por volta de 1688, quando, após a
desvalorização da pataca espanhola em 20%, a moeda portuguesa de prata e ouro
se torna mais vulnerável ao contrabando e a outras práticas de desvio, como,
por exemplo, o corte dos seus bordos e a fundição das aparas, transformadas em
metal, prata ou ouro.
É este contexto que encontramos
neste poema-romance, não configurado em estrofes, mas aparentemente formado por
quadras. De facto, após cada conjunto de quatro versos, encontramos um ponto
final, que indica o final de um pensamento, ao qual se segue outro, iniciado no
verso seguinte.
Por outro lado, o texto descreve várias
personagens, cuja finalidade passas por envergonhar a cidade da Baía: “A essas
personagens vamos, / sobre elas será o debate, / e queira Deus, que o
vencer-vos / para envergonhar-vos baste.” A partir daqui, o sujeito poético
descreve as ações de três figuras específicas e de uma quarta com uma
configuração grupal, talvez a junção de todos num só. A transição entre a
descrição destas figuras é pontuada pelo estribilho “e eis aqui a personagem”.
Uma dessas personagens é “um pobrete
de Cristo” que sai de Portugal, despachado para conseguir sair da crise em que
se encontrava. Normalmente, esses homens que iam para o Brasil, nessa época,
eram, maioritariamente, pessoas pobres, miseráveis, bandidos, libertinos, em
suma, a escoriada sociedade europeia. Por isso, os jesuítas contam que era mais
difícil catequizar os índios, dado que os próprios cristãos, normal geral
pessoas brancas, não cumpriam as regras estabelecidas. De facto, as normas
obedecidas na Europa eram desrespeitadas no Brasil, como se fosse uma terra de
bárbaros. Esta primeira personagem é, portanto, um pobre que enriquece enganando
as outras pessoas: “Vendendo gato por lebre, / […] / já tem tantos mil cruzados,
/ segundo afirma Pasguates.” Estes são os idiotas, os que contam as vantagens
do seu enriquecimento e que, posteriormente, comporão o quadro político da
Baía: “Entra logo nos pilouros, / e sai do primeiro lance / Vereador da Bahia.”
As personagens seguintes são
descritas como falsas, embusteiras, ladras, hipócritas, usuárias, que
enriquecem com a desgraça alheia: “Nunca paga, e sempre come”. O poema, à semelhança
de outros, procura traçar um quadro da formação do povo brasileiro. Enquanto
uns enriquecem ilicitamente, a maioria afundava-se na miséria e, para lhe
escapar, estas pessoas vendiam os seus serviços a preços irrisórios ou
deixavam-se escravizar para simplesmente terem o que comer.
Outra personagem, imprescindível nas
obras da época, é um membro do clero: um “Clérigo idiota”. À semelhança das
demais, esta figura não possui nome próprio, ou seja, são todas
personagens-tipo. Deste modo, este Clérigo simboliza uma classe social que
tinha grande influência na época da colonização do Brasil e que foi decisiva na
formação da identidade brasileira. Por isso, a poesia de Gregório denuncia a
hipocrisia do clero, que frequentemente faziam o contrário do que pregavam.
Neste caso, o Clérigo representa a usura, a cobiça, a corrupção e,
metonimicamente, a Igreja católica: “Cresce em dinheiro, e respeito, / vai
remetendo as fundagens, / Compra toda a sua terra, / com que fica homem grande…”.
Na quadra seguinte, a sátira é ainda
mais acutilante: os clérigos são adjetivados como “mariolas”, “lacaios”, de “missal”
e “missa-cantante”, respetivamente.
Nos últimos vinte versos da
composição, o «eu» poético evoca de novo a Baía, agora com o objetivo de
denunciar a passividade dos “Filhos da terra”, que, diante das ações lesivas
dos estrangeiros que procuram fazer tortura na Baía, permanecem indiferentes à
situação: “Veem isto os Filhos da terra, / e entre tanta iniquidade / são tais,
que nem inda tomam / licença para queixar-se.”
Nos últimos versos, o sujeito lírico
usa a primeira pessoa do singular («eu»), para exprimir o desejo de purificação
pelo fogo, como sucedeu em Sodoma e Gomorra, as duas cidades bíblicas que foram
destruídas pelo fogo por causa da sua iniquidade. De acordo com o sujeito
poético, esse deveria ser o mesmo destino a dar à Baía, que se equipara, em
iniquidade, às referidas cidades bíblicas.
Análise de "Lizongea finalmente a convalecencia de sua esposa", Gregório de Matos
Este soneto é dedicado à mulher do poeta, embora não se saiba exatamente qual, pois Gregório de Matos teve duas esposas oficiais. De acordo com alguns estudiosos, é provável que se trate de Maria de Povos.
O «eu» poético dirige-se a uma flor,
Rosa, qualificando-a como vaidosa. Aliás, na primeira quadra do soneto, são
evocadas quatro flores: “Rosa”, “Clavel”, “Açucena” e “Jasmin”. Por outro lado,
são referidas também cores, como o “branco”, o “enacarado” e “nevado”, com as
quais as flores se envaidecem, porque cada cor é característica de cada flor.
O tom de alegria e cor é
substituído, nos dois últimos versos da segunda quadra, pela tristeza: “Se de
la pompa el tiempo está acabado, / Vuestra pompa en retiros minorad”, os quais
apontam para outro tema querido da época: a efemeridade da vida. O eufemismo “Se
de la pompa das flores está acabado” sugere que a pompa das flores está a
acabar, não esquecendo que cada uma delas representa a esposa do poeta. Ora, é
nítida a ideia da perda de vitalidade por parte de “Açucena, Clavel, Jasmin y
Rosas”, embora se trate de uma mera sugestão, dado que o que se pretende é
exaltar a figura feminina, daí que o vocabulário seja positivo.
De acordo com Samuel Lina (in Edifício
de Palavras, p. 52), há no poema um certo traço carnavalizante, visto que,
mesmo diante das agruras da vida, na festa (Carnaval) tudo se esvaía, dando
lugar ao prazer, daí a existência das máscaras. Ora, no texto de Gregório de
Matos, está igualmente presente esta noção de dualidade: na iminência da morte,
a flor é exaltada, sendo destacadas as suas qualidades, as suas características
positivas.
Subscrever:
Mensagens
(
Atom
)
