Caracterização de Laertes

    Laertes é filho de Polónio e irmão de Ofélia. O seu nome pode ser encontrado na Odisseia: Laertes era o pai de Ulisses, um dos protagonistas dos designados poemas homéricos, uma figura que simboliza a sabedoria, a experiência e a tradição. Na obra de Homero, ele é um homem idoso e sábio que se afasta do centro do poder após a partida do filho pra a guerra de Troia. Por outro lado, ele representa a dor e o sofrimento dos pais que veem os descendentes partir para a batalha e aguardam o seu regresso, sãos e salvos.

    O Laertes de Shakespeare é um filho e cidadão leal, demonstrando um profundo afeto e sentimento protetor por Ofélia, sua irmã, aconselhando-a a manter distância de Hamlet, pois acredita que este não tem intenções sérias relativamente a ela, mostrando-se gentil e amoroso.

    Laertes, no início da peça, mora em França, onde é estudante universitário, ansiando iniciar a sua vida ativa o mais rápido possível. A vida numa grande metrópole mostra-o como uma pessoa cosmopolita e galante, mas também impulsiva, impetuosa, agindo por vezes movido pela emoção, mostrando-se rápido a agir, o que o faz contrastar com Hamlet. De facto, o filho de Polónio é alguém ativo e físico, enquanto o segundo se mostra reflexivo, hesitante, passivo e verbal. Ambos partilham algo (os pais assassinados e o desejo de vingar as suas mortes violentas), porém Laertes é decidido e ativo na obtenção da vingança, não perdendo tempo com reflexões ou hesitações, nem com a certificação da pessoa responsável pela morte do progenitor e da irmã. Ao tomar conhecimento da morte de Polónio, regressa imediatamente à Dinamarca e, furioso, invade o castelo de Elsinore com a intenção de vingar a morte do pai. A sua paixão e impulsividade são claras na maneira rápida e decidida como busca justiça, sem pensar ou ter em conta todas as circunstâncias e consequências. Não obstante essas diferenças entre as duas personagens não impede que o final de ambos seja o mesmo: a morte. Por trás de tudo isso está outro traço semelhante entre os dois: a obsessão pela honra da família.

    No entanto, a sua forma de ser e agir acabam por se voltar contra ele. Com efeito, o seu caráter impulsivo e irrefletido fazem de si uma presa fácil para Cláudio manipular, no sentido de atingir os seus objetivos, ou seja, de eliminar Hamlet. Assim, o rei, compreendendo que Laertes está furioso com a morte do pai e devastado com a da irmã, canaliza esses sentimentos na direção do sobrinho/ enteado, o grande obstáculo à conservação do seu poder, aproveitando astutamente a vulnerabilidade emocional para o atiçar contra o inimigo comum. Para isso, instila no jovem a noção da culpabilidade de Hamlet, alimentando e direcionando dessa forma o desejo de vingança. E nada o detém: insinua que o príncipe tem de ser punido e joga com a honra pessoal e familiar, sugerindo que, se nada fizer para repor a justiça, tal ausência de ação seria profundamente desonroso para Laertes. Depois de manipular o filho de Polónio de maneira hábil e astuta, propõe-lhe um plano para vingar a morte do pai num duelo contra Hamlet, sugerindo que use uma espada afiada e envenenada para garantir que o adversário morra durante o confronto ao ser atingido. Além disso, envenena uma taça de vinho que seria oferecida a Hamlet caso ele vencesse o duelo, estabelecendo, assim, um plano duplo para garantir a sua morte. Porém, a astúcia cruel de Cláudio não se esgota aí: ele manipula o orgulho, a vaidade e a honra de Laertes, sugerindo que prove a sua habilidade na esgrima ao mesmo tempo que vinga o pai de modo digno e público, apelando, desta forma, ao sentido de honra do jovem e à necessidade de demonstrar publicamente o seu valor.

    O filho de Polónio serve a sua coroa, mas antes de tudo situa-se a família, claramente a sua prioridade e a instituição pela qual está sempre disposto a lutar. Essa lealdade para com a família, que inicialmente parece ser uma qualidade sem mácula, cega-o, orientando-o para um único curso de ação: a violência. Nesse contexto, os seus métodos são simples e práticos: encontrar Hamlet e assassina-lo assim que o vir. Só após a insistência de Cláudio se convence a agir de outro modo, isto é, a fazer com que a morte de Hamlet pareça um acidente.

    Instantes antes de morrer, Laertes percebe o seu erro em toda a trama e revela a Hamlet a traição de Cláudio, imediatamente antes de perdoar o príncipe pela sua atuação na morte de Polónio.

    Em suma, Laertes é claramente uma figura trágica que cai por causa das suas próprias ações. Durante o duelo final, ele é mortalmente ferido pela própria espada envenenada que havia preparado, em conluio com Cláudio, num gesto traiçoeiro, para liquidar Hamlet. Compreendendo, nos momentos finais, que foi vítima da manipulação do rei e que a sua obsessão por vingança resultou na sua própria morte, mostra-se arrependido e pede também perdão a Hamlet, revelando, assim, um lado mais nobre e consciente das suas próprias falhas.

Jornalismo de esgoto, penso eu que...

    Esta apareceu na SIC Notícias. A Educação atual e a geração «mais melhor bem» formada de sempre, dito de forma genérica, é uma fraude, uma mentira, um embuste.

    Esta gente não sabe ler, falar e escrever, e o ensino superior não é uma peneira, com certeza. Pior ainda é ver professores a proferir pérolas como «Tu vistes...»...

Caracterização de Polónio, de Hamlet

    Polónio é conselheiro de Cláudio e pai de Laertes e Ofélia.

    No que diz respeito à família, ama os filhos, de quem sente grande orgulho e com quem se preocupa, no entanto pontualmente fica-se com a sensação deque pode sacrificar os seus melhores interesses pelo que considera a decisão política mais correta ou conveniente. Por exemplo, manda espiar o próprio filho e usa a filha como engodo para enganar Hamlet. Quando o filho se prepara para ir para França, hesita em autorizar a sua ida e chega mesmo a prolongar o último encontro entre ambos porque reluta em o ver partir. A mesma preocupação revela com Ofélia, como se pode constatar quando a aconselha a evitar Hamlet, pois inquieta-o o comportamento e a postura do príncipe.

    A família de Polónio contrasta com o núcleo familiar de Cláudio: a primeira pauta-se pelo amor e pela felicidade, enquanto a segunda é disfuncional, marcada pela inimizade e até pelo ódio, pela desconfiança e pelo crime. Os fortes laços que unem o conselheiro do rei aos filhos são exemplificados pela sua reação à morte do pai: Laertes deseja vingar o progenitor e Ofélia é atingida de tal forma pela dor que enlouquece.

    Politicamente, estamos na presença de uma figura pomposa, prolixa, convencional e conivente com o poder político, nomeadamente com o rei, a quem se mostra submisso e subserviente, o que atrai sobre si a desconfiança de Hamlet, que o olha como alguém cobarde e falso. Ao longo de toda a peça, Polónio mostra a necessidade de permanecer nas boas graças do casal real e, para lhe agradar, procura espiar Hamlet. Esta postura leva-o a comportar-se de forma mesquinha, hipócrita, dissimulada e intrometida, mas, em última análise, condu-lo à morte. De facto, procurando mais uma vez servir os interesses de Cláudio, na tentativa de escutar uma conversa entre Gertrudes e Hamlet, esconde-se nos aposentos da rainha atrás de uma tapeçaria e, quando faz ruído, é morto pelo príncipe, julgando tratar-se de Cláudio.

    Por outro lado, Polónio concentra em si momentos de comicidade, sendo fonte de cómico. Por exemplo, pretende ser uma pessoa inteligente, no entanto, ao longo da peça, mostra-se bem menos sábio do que julga. De facto, não possui consciência daquilo que é e das suas insuficiências. Além disso, é uma das figuras da obra que remete para a temática do contraste entre a aparência e a realidade, já que as suas maquinações e subserviência nunca permitem compreender cabalmente o seu «eu» autêntico.

A escola do século XIX em imagens - XIII

Ludwig Passini – Aula de latim (1869)

    Nesta aguarela do pintor austríaco Ludwig Passini, ainda uma sala de aula do século XIX, embora diferente das que tenho apresentado: trata-se de uma aula de latim, certamente num seminário ou outra escola religiosa. Percebemos isso pelas vestes do professor e dos alunos, pois curiosamente não vemos crucifixos ou outros símbolos religiosos na decoração das paredes. O ambiente e a organização do espaço, com os estudantes dispostos em filas laterais e o professor ao centro e ao fundo, num plano mais elevado, são reminiscências das escolas e universidades da Idade Média e do Antigo Regime.

    Nestas escolas, o estudo do latim assumia um papel preponderante. Apesar de ser já então uma língua morta, continuava a ser uma disciplina estruturante, como hoje se diz do Português ou da Matemática. Língua de cultura por excelência, era em latim que se celebravam os ofícios católicos, realidade que persistiu até à segunda metade do século XX, só alterada com o Concílio Vaticano II. Embora escrita originariamente noutras línguas, era na sua versão latina que a Bíblia era estudada e comentada. Um bom domínio da língua dos antigos Romanos era assim requisito indispensável na formação do clero.

    Nos países católicos, os seminários, obrigatoriamente existentes em todas as sedes de diocese, tiveram um papel importante na formação académica dos jovens, permitindo-lhes um percurso que nem sempre desembocava na vida religiosa. Em Portugal, ainda durante a maior parte do século XX, os seminários permitiram a milhares de jovens, estudiosos mas de parcos recursos, realizar estudos secundários. Movida pela necessidade de formar sacerdotes, a Igreja Católica proporcionava ensino gratuito, alojamento e alimentação aos estudantes que acolhia, na esperança de que um bom número deles viesse a enveredar pelo sacerdócio. De quase duas dezenas de crianças e adolescentes que vemos na pintura, quantos lá terão chegado?…

Fonte: Escola Portuguesa.

Breve História da Escrita

(c) A Vida Screta das Línguas

Análise do poema "Meu ser evaporei na lida insana", de Bocage

    Este soneto e o texto “Já Bocage não sou” têm um denominador comum: o contrito arrependimento perante a vida passada. A uma existência intensa e desregradamente vivida, sucede uma fase de resignação e esperança cristãs. No balanço da existência, o homem contrito, escravo dos vícios e das paixões que o arrebatam, mostra consciência do pecado e abertura ao transcendente. Esta composição é, precisamente, uma das várias onde o sujeito poético expõe um profundo sentimento de religiosidade e contrição.

 

n Tema: o arrependimento do passado por parte do sujeito poético.

 

 

n Estrutura interna

    Nos primeiros 6 versos, o sujeito poético descreve a ilusão da vida passada, utilizando para tal o pretérito perfeito e imperfeito. Através de repetidas frases exclamativas (vv. 3 e 6), expressa o seu arrependimento, visto que, durante quase uma vida inteira, acreditou na sedutora demanda do prazer, dissipando a existência em sucessivas e ruidosas paixões, que apenas lhe trouxeram uma felicidade ilusória (vv. 5-6), representada na metáfora “inúmeros sóis”. As ilusões foram sóis que ofuscaram a natureza instintiva do homem que se deixou aprisionar pelos prazeres.

    Alterando a cadência anterior, a acentuação sáfica introduzida no final da segunda quadra sublinha o contraste passado/presente. Continuando a evocação do passado, o sujeito poético retira uma conclusão vital sobre a sua existência: a busca do prazer foi uma perdição, que conduziu a sua vida para o abismo e para o amargo sentimento do desengano. A felicidade verdadeira não estava na miragem enganadora em que acreditava.

▲ 2.ª parte (vv. 12-14) – Presente (tempo da razão): súplica a Deus – acto de contrição e arrependimento do sujeito poético:

 

    Já no presente (conjuntivo optativo: ganhe, saiba) e até com projecção para o futuro (roube), com a iminência da morte, eufemisticamente referida (v. 12), o sujeito poético formula uma sentida prece. De facto, no segundo terceto, , na reforçada invocação a Deus, expressa um manifesto e lapidar desejo de arrependimento: “Saiba morrer o que viver não soube” (v. 14). De notar ainda o paralelismo antitético dos dois últimos versos, expressos pelas formas verbais (ganhar/perder e morrer/viver), a salientar o contraste entre o passado de dissipação e o presente de arrependimento. Mas esta afirmação contrita do arrependimento perante as faltas passadas é formulada com uma indesmentível teatralidade, a demonstrar a vocação dramatúrgica de Bocage.

    Esta divisão do texto remete para dois estados de espírito do sujeito poético: um, referente ao passado e constituído por sentimentos como o entusiasmo, a paixão, o orgulho; o outro, o presente, caracterizado pela decepção, tristeza, arrependimento e esperança de encontrar a paz na morte.

 

n Recursos poético-estilísticos

 

1. Nível fónico

 

    O poema é constituído por duas quadras e dois tercetos, num total de 14 versos (soneto) decassílabos heróicos e sáficos (vv. 13-14). Os versos sáficos, além de um ritmo ternário, são normalmente mais melancólicos. O ritmo ternário põe em destaque três elementos importantes: momento/perderam/anos, morrer/viver/soube.

    A rima obedece ao esquema ABBBA/ABBA/CDC/DCD, sendo portanto interpolada e emparelhada nas quadras e cruzada nos tercetos. Toda a rima é consoante (“insana”/”humana”), grave ou feminina (“arrastava”/”sonhava”), rica (“insana”/”humana”) e pobre (“arrastava”/”sonhava”).

    O ritmo é predominantemente binário e sugere a correria louca do sujeito poético em busca das paixões. As aliterações dos fonemas /s/ e /p/ sugerem, a primeira, dissipação e, a segunda, o movimento agitado das paixões. A repetição das vogais abertas /á, é/ sugere a sedução que as paixões exerciam sobre ele. Por último, nota para o transporte existente nos versos 1-2, 3-4, 5-6 e 7-8.

2. Nível morfossintático

    As formas verbais, na 1.ª parte, distribuem-se pelo pretérito perfeito, que exprime o que o sujeito poético fez, e pelo pretérito imperfeito, que subentende uma reflexão, marca o contraponto entre o que é o sujeito actualmente e o que já foi. Estas formas verbais ligadas ao passado são acompanhadas pela primeira pessoa porque estão directamente ligadas aos passos que ele deu. A forma evaporei pressupõe a proximidade da morte, pois o que já se evaporou já desapareceu; a forma acreditava sugere afastamento da realidade. Na 2.ª parte, predomina o presente do conjuntivo em tom de imperativo marcando uma ideia de futuridade, sugerindo a formulação de um desejo, como se o sujeito poético quisesse dar uma lição àqueles que levam uma vida como a dele. Estas formas verbais de presente/futuro aparecem na terceira pessoa porque exprimem o arrependimento no momento da reflexão; o sujeito poético evita referir a primeira pessoa por causa do seu desalento; é uma espécie de aniquilamento do EU para que obtenha a salvação.

    Os nomes (tropel, ruído, prazeres, sócios) e os adjectivos (insana, cego, mísero, falaz, escrava, sedenta) apontam para um certo desgaste do sujeito poético, derivado da sua vida de conflitos.

    As interjeições sugerem decepção, enquanto os pronomes pessoais e possessivos exprimem o tom confessional do poema.

3. Nível semântico

 

    As exclamações traduzem a decepção e o desengano do sujeito poético. A apóstrofe do verso 9 identifica a causa dos seus males: os prazeres, enquanto a do verso 12 exprime o desejo/lição que pretende formular: um desejo de arrependimento e de morrer com dignidade.

    Por outro lado, o poema assenta em duas antíteses. A primeira assenta no contraste luz/sombra, sendo que a luz simboliza a vida, neste caso vivida ao sabor das paixões, enquanto a sombra está ligada à morte, pois, no fim da vida, reflectindo sobre a mesma, dá-se conta de que essa luz que o seduziu era falsa. Daí o desejo da morte. A segunda antítese decorre desta primeira: vida/morte, e atinge a máxima intensidade no verso 14: “Saiba morrer o que viver não soube.”, onde claramente afirma o desejo de morrer com dignidade, já que em vida, moralmente, se enganou e desviou do caminho recto.

    A repetição “Ah!, cego eu cria, ah!, mísero eu sonhava” (v. 3) enfatiza o estado de alma do sujeito poético, a falsidade e o engano em que vivia, enquanto a metáfora “inúmeros sóis” (v. 5) representa a felicidade ilusória que as paixões lhe trouxeram, ou seja, as ilusões foram sóis que ofuscaram a natureza instintiva do homem que se deixou aprisionar pelos prazeres. A iminência da morte é eufemisticamente referida no verso 12: “Quando a morte à luz me roube...”.

n Características

 

 

 

n Conclusão

 

    Estamos perante um soneto egocêntrico, centrado em torno do poeta, onde se verifica uma dicotomia entre passado e presente, que permite evidenciar a temática do arrependimento, perante o tropel de paixões e o seu orgulho, que parecem ser os seus maiores pecados e dos quais o poeta pretende redimir-se à beira da morte, ao desejar uma boa morte. Daí falar-se em tom de contrição e arrependimento. As suas faltas foram cometidas insanamente, chegando ao ponto de querer divinizar-se, ao querer ser imortal.

Análise do poema "Ó retrato da Morte! Ó Noite amiga”, de Bocage

n Assunto: evocação da noite e de uma paisagem horrenda, consolo do sujeito poético.

 

 

n Tema: a obsessão da morte.

 

 

n Estrutura interna

▲ 1.ª parte (2 quadras) – O sujeito poético dirige-se à noite (personificada – vê, ouve, sente):

            O primeiro verso assume grande importância dentro da mensagem, pois revela a presença de uma entidade abstracta (“Noite”) que adquire uma força concreta e humana, tendo papel de destaque dentro das relações do sujeito (“amiga”) – note-se a personificação – e fazendo a maiúscula inicial adivinhar o seu protagonismo. Conduz a uma identificação da noite com a morte – note-se a metáfora – o que deixa antever uma situação de sofrimento e desespero por parte do sujeito poético, pela invocação de duas entidades ligadas à escuridão, à solidão, à fuga; sugere o estado de pessimismo, dramatismo em que o EU se encontra. No desenrolar do poema, conclui-se ser a noite o momento mais ansiado pelo sujeito lírico, em quem deposita a esperança de encontrar algum consolo, alguma compreensão – daí o lamento através da interjeição Oh, que imprime um tom de tristeza, de lamento, de desabafo ao poema, encontrando-se reiterada no verso 9.

            O sujeito, num apelo que dirige à Noite, sua confidente e amiga, pede-lhe protecção, conforto e amparo para suportar o seu sofrimento (“Dá-lhes [aos desgostos] pio agasalho no teu manto”) na sua companhia, pois a noite, pelo sossego e possibilidade de fuga que permite, é ideal para conviver com alguém que não quer espalhar a sua dor, mas que quer a paz e a tranquilidade necessárias à introspecção, à reflexão, ao desabafo (com ninguém).

            Esta relação positiva entre o sujeito poético e a Noite deve-se ao estado de espírito daquele: desiludido e desesperado. Neste estado, só a Noite constitui o ambiente que se coaduna com a sua sensibilidade. Porém, a nível humano, o grande responsável pelo estado de espírito do sujeito lírico é a mulher, que não lhe corresponde amorosamente.

 

            A Noite assume papel de grande destaque, o que até a própria maiúscula inicial faz supor. Trata-se da confidente e amiga do sujeito poético [“Noite amiga”, v. 1; “(...) testemunha do meu pranto”, v. 3; “De meus desgostos secretária antiga”, v. 4; “(...) manda Amor, que a ti somente os diga”, v. 5], em cuja companhia ele deseja estar (“Por cuja escuridão suspiro há tanto!”, v. 2). A Noite, por ser a ausência de luz, representa o medo, o abandono, a solidão; por ser o período oposto ao dia, simboliza o descanso, o sossego, é o momento dedicado aos sonhos, pesadelos, à reflexão, à introspecção; sendo ainda sinónimo de trevas, corresponde à ausência de conhecimento, à ignorância; conotando-a com os sentimentos, vêmo-la relacionada com sofrimento, dor, angústia, mágoa, bem diferente do entusiasmo, alegria, conforto, prazer que o dia proporciona.

            Assim, conclui-se que o facto de o sujeito poético ansiar por tal momento se deve à sua vontade de estar só, isolado e afastado daquela que perturba o seu estado de espírito [“(...) a cruel que a delirar me obriga”, v. 8], à necessidade de encontrar a tranquilidade e a acalmia próprias da Noite, propícias à introspecção, à intenção de pretender reflectir e analisar os seus sentimentos [“(...) meu pranto”, v. 3; “(...) meus desgostos”, v. 4] e de desejar conviver com elementos nocturnos (“Fantasmas vagos, mochos piadores”, v. 10) que, pelo seu aspecto assustador e sombrio, não convivem com elementos diurnos, o que os torna bons receptores para quem não deseja ver os seus sentimentos divulgados (v. 3).

 

n Estado de espírito do sujeito poético

 

            O sujeito poético mostra-se abalado, angustiado, desesperado, procurando a companhia de realidades (“Noite”, fantasmas”, “mochos”) que, tal como ele, vivem ou correspondem à penumbra, às trevas; que, tal como ele, se refugiam no seu próprio ser, sem procurarem/desejarem convívio, relação com outros seres. O sujeito poético procura encontrar maior conforto nestes do que na realidade do dia, da luz, da vida, que para si é como um pesadelo (“Inimigos como eu da claridade!”, v. 11) devido a ressentimentos com base no amor que sente/sentiu por uma mulher que o faz sofrer, sem que sequer sinta culpa [“(...) enquanto / Dorme a cruel que a delirar me obriga”, v. 8]. A sua angústia ocorre em simultâneo com a tranquilidade, despreocupação da amada (“delirar” vs. “dorme”). Note-se a ambiguidade existente no verbo dormir que é sinónimo de sossego para um e desassossego para outro, surgindo reforçado pela expressão “me obriga” – não é voluntário, não é pacífico, não é indolor. Note-se, ainda, que a forma verbal dorme pode referir-se também à própria morte ou ausência da amada.

            Por outro lado, dos últimos dois versos do poema ressalta um certo narcisismo e masoquismo do sujeito poético, que manifesta o desejo de se encontrar no meio de fantasmas e mochos apesar de ter consciência do carácter horrível e mórbido que lhes é inerente: “Quero a vossa medonha sociedade” (v. 13). Na base deste masoquismo está o desejo de se flagelar, talvez numa tentativa de exteriorizar a sua revolta, a sua angústia ou até de acabar com o seu sofrimento (“Quero fartar meu coração de horrores”, v. 14). O sujeito poético deseja castigar o seu coração, provavelmente por se ter deixado envolver numa relação que o desiludiu e arruinou psicologicamente ou que abruptamente foi quebrada.

            De referir, por último, que este estado de espírito do sujeito lírico tem raízes no passado. Ele anseia há muito por se encontrar na companhia das trevas, tal como explicita no verso 2: “Por cuja escuridão suspiro há tanto!”, pois vive um estado de dor, de sofrimento há já algum tempo, como se deduz pelos versos 4 e 7: “De meus desgostos secretária antiga!”, “Ouve-os, como costumas, ouve...”.

 

n Visão da Natureza – “locus horrendus” ® presença da noite como retrato da morte e associada a um cenário de horror: escuridão, fantasmas, mochos piadores, cortesãos da escuridade, horrores.

 

 

n Características

n Recursos poético-estilísticos

 

1. Nível fónico

            Trata-se de um poema composto por duas quadras e dois tercetos, que se denomina soneto. Os versos são isométricos, sendo todos decassílabos heróicos, excepto os versos 4, 8 e 14, que são sáficos. O esquema rimático é o seguinte: ABBA/ABBA/CDC/DCD, havendo rima interpolada e emparelhada nas quadras e cruzada nos tercetos; consoante (“amiga”/”antiga”), grave (“tanto”/”pranto”), pobre (“amiga”/”antiga”) e rica (“tanto”/”pranto”). Por outro lado, as palavras que rimam partilham o seu sentido ou por semelhança ou por oposição. A rima não é apenas uma questão de ouvido, gera sentidos. Assim, a rima entre “amiga” e “antiga” serve para salientar a relação existente entre o sujeito poético e a Noite: uma relação prolongada no tempo. A rima entre “tanto” e “pranto” serve igualmente para realçar o prolongado sofrimento do sujeito.

            Várias são as aliterações: do fonema /m/ (em todo o poema) a sugerir tristeza e angústia, do fonema /t/, do fonema /s/ (“... de meus desgostos secretária...”). Outro elemento importante é a alternância entre vogais abertas e vogais fechadas (ó, á, e, ô, an, ão) que pode sugerir, por um lado, a vontade de conviver com a Noite e, por outro, o desespero.

            O ritmo do soneto é dominantemente binário, quer porque alguns versos estão partidos em dois hemistíquios, quer porque há dois acentos dominantes na maior parte dos versos (decassílabos heróicos). O predomínio do ritmo binário está de acordo com a presença de duas “personagens”: o sujeito poético e a Noite. É mais lento nas quadras e mais rápido nos tercetos, de acordo com a intensidade dos apelos, menos forte nas primeiras e mais fortes nos segundos.

            Por último, realce para o transporte existente nos versos 7 e 8.

2. Nível morfossintáctico

            Existe no poema grande quantidade de vocabulário de teor negativo: morte, Noite, escuridão, pranto, desgostos, cruel, delirar, escuridade, fantasmas, mochos, piadores, inimigos, clamores, medonha, horrores. Estes vocábulos, de que fazem parte muitos nomes abstractos, referem-se e reflectem o estado de espírito do sujeito poético, na medida em que, estando este numa situação de sofrimento e solidão, recorre a conceitos de cariz negativo que se aproximam da forma como se sente.

            Dentre os adjectivos, destacam-se amiga (caracterizando a Noite como a única que pode compreender e consolar os desgostos do sujeito) e cruel, que se refere à mulher amada, apontando-a como a causadora do estado sentimental do sujeito poético, porque não lhe corresponde amorosamente, e servindo de contraste entre a sua tranquilidade a dormir e o seu desespero.

            Das funções da linguagem, predominam a poética (selecção de vocabulário; conotação de certos vocábulos – secretária, agasalho, manto, cortesãos da escuridade; originalidade de algumas palavras – escuridade; recursos estilísticos; rima; métrica; sonoridade de alguns sons), a expressiva (o estado emocional do sujeito poético expresso através duma linguagem subjectiva e dum discurso de 1.ª pessoa do singular e de frases de tipo exclamativo) e a apelativa (o sujeito lírico apela à Noite para que o ampare e aos elementos da Noite, pedindo-lhes que o deixem fazer parte do seu grupo para com ele exteriorizar a sua mágoa – estes apelos são feitos através dum discurso apelativo, cujas formas verbais estão no modo imperativo; o discurso é de 2.ª pessoa, visto que é direccionado para o destinatário das palavras proferidas).

            A nível verbal, predominam o presente do indicativo e o imperativo. O presente traduz o estado de espírito (que se arrasta desde “há tanto” e se mantém) e vontade presentes, assim como as determinações de outrem sobre o sujeito poético (manda, costumas, dorme, obriga). O imperativo representa o apelo/pedido desesperado do sujeito no sentido de obter protecção, companhia junto das realidades nocturnas. O imperativo existe em função do presente do indicativo, sendo a consequência e a causa, respectivamente; o primeiro pretende atenuar a dor do segundo, ou seja, o facto de o sujeito se encontrar deprimido e desesperado faz com que se refugie na noite, para minimizar ou, pelo menos, não fazer avolumar a sua angústia.

            Os pronomes pessoais de primeira pessoa traduzem o egotismo romântico e os de segunda referem o destinatário do pretenso diálogo encetado pelo sujeito poético.

            A interjeição oh, repetida três vezes, expressa a dor e o desespero do sujeito que o levam a apelar à Morte e à Noite.

            Sendo um soneto formalmente clássico, não é de estranhar a presença do hipérbato: “De meus desgostos secretária antiga!”.

            Nos versos 13 e 14 temos a repetição anafórica da forma verbal Quero, que determina a real intenção do sujeito poético que, num discurso eu/vós, apela para que o deixem tornar-se um elemento da noite, reforçando-se, assim, o seu carácter de fraqueza e falta de persistência ao deixar-se vencer pelos desgostos sofridos. Deste modo, o lado sentimental e emocional do sujeito – desilusão, mágoa, desgosto, dor, sofrimento, angústia, derrota – influencia o seu lado racional, conferindo-lhe o pessimismo e dramatismo evidenciados, ou seja, o coração sobrepõe-se à razão.

3. Nível semântico

            As exclamações traduzem o estado de alma do sujeito poético, carregado de dor, ansiedade, desespero, consideração/estima e respeito (v. 4) pela Noite, bem como o apelo que dirige aos seus elementos (vv. 9-11). As exclamações são reforçadas pelo uso das interjeições, que conferem um misto de apelo e lamento às palavras do sujeito poético; das personificações e das apóstrofes da Morte e a Noite, as destinatárias do discurso do sujeito, a quem este se dirige e por cuja companhia e compreensão “suspira há tanto”, afinal a solução para os seus males de amor. Ambas as figuras de estilo são retomadas no verso 9 com idêntico significado. Ao bom estilo clássico, encontramos no verso 5 a personificação do Amor e, nos tercetos, a dos fantasmas e dos mochos, que se tornam também destinatários do sujeito poético.

            Logo no primeiro verso do poema encontramos a metáfora da Noite como retrato da Morte. Outras metáforas encontram-se nos versos 3 (“Calada testemunha de meu pranto...”), 4 (“De meus desgostos secretária antiga!”), 6 (“... pio agasalho no teu manto...”).

            A comparação do verso 11 (“... como eu...”) aponta os mochos como inimigos da luz, assim como o sujeito poético no estado em que se encontra.

            Na última estrofe, sobretudo no último verso (“Quero fartar meu coração de horrores”), encontramos a hipérbole, a traduzir o desejo masoquista do sujeito a fim de aplacar o seu desespero, desejando uma Natureza que reflicta e sirva de enquadramento ao seu estado de alma. A estes recursos se acrescenta a enumeração dos versos 9 e 10 (“... cortesãos da escuridade / Fantasmas vagos, mochos piadores...”). Por último, realce para a gradação na expressão do estado de espírito do sujeito poético.

n O Amor em Bocage

Análise do poema "Se é doce no recente ameno Estio", de Bocage

n Assunto: o sujeito poético, dirigindo-se à mulher amada, declara-lhe que, se é doce ver a suave alegria da manhã enfeitada de flores e amenizada pelo deslizar do manso rio, se é doce ouvir o doce chilrear dos passarinhos entre os aromas dos pomares, se é doce ver o suave colorido do mar e dos céus, mais doce é poder morrer de amor na posse da sua amada.

 

 

n Tema: a exaltação da mulher amada.

 

 

n Estrutura interna

 

▲ 1.ª parte (vv. 1-11) – Descrição de uma Natureza caracterizada pela doçura, pela amenidade, pela beleza, pela claridade, pela serenidade, pela alegria, pela suavidade, pela harmonia – um autêntico paraíso – “locus amoenus”.

 

▲ 2.ª parte (vv. 12-14) – A superioridade da mulher em relação à Natureza.

     De facto, o sujeito poético estabelece uma comparação entre a doçura e a alegria que ele experimenta ao observar a Natureza (com as características atrás apontadas) e a doçura que experimenta ao cair nos braços da mulher amada, vencida pelo seu amor. Mas os dois termos comparados não são iguais, porque se é doce sentir a Natureza, mais doce é cair nos braços da mulher; ou seja, a mulher é superior à Natureza em termos de beleza.

               A 1.ª parte do texto contém, por conseguinte, o primeiro termo de comparação e a 2.ª parte contém o segundo.

 

 

n Função da Mulher:

– divina, ideal, doce, carinhosa (comparada a tudo o que é doce e ameno);

– comparada à Natureza, é-lhe, porém, superior;

– deve dar “morte de amor”;

– é causadora do sofrimento, mas também confidente;

– deve deixar-se vencer pelos ais, pelo sofrimento do homem que a ama.

 

 

n Imagem da Natureza

            A suavidade da Natureza, a claridade, a alegria, ao nascer do Sol, irradiando também serenidade e paz, está dentro dos ideais clássicos da “aurea mediocritas”, isto é, da convicção que os clássicos tinham de que a suave alegria da natureza lançava na alma um bálsamo especial que suavizava as agruras da vida, e do “locus amoenus”. Notem-se as palavras e expressões que conotam suavidade, serenidade, paz: “doce”, “ameno Estio”, “mole e queixoso deslizar-se o rio”, “inocente desafio”, “esperta os corações” (no sentido de dar vida, libertar os corações dos pesares da vida.

n Recursos poético-estilísticos

 

            Para realçar a suavidade da Natureza temos, em primeiro lugar, a expressividade dos adjectivos: doce (repetido 4 vezes), ameno, mole e queixoso, inocente, gentil, querida, brandos. Destes, o adjetivo-chave é doce, que se repete anaforicamente e em lugar de destaque, no princípio das estrofes, e no grau comparativo (comparação) de superioridade (“mais doce é”) para, a partir da grande doçura que há na fruição da Natureza, realçar a infinita doçura encontrada na posse da mulher amada. Os verbos também designam acções realizadas suavemente: lambendo, deslizar-se (notar a expressividade do reflexo), modulando (o próprio gerúndio exprime a acção a deslizar suavemente). Estas apalavras, apontando no seu significado para a suavidade, são também suaves como significantes, isto é, no seu próprio som e na musicalidade que ajudam a construir no verso. Há no poema versos de um ritmo, de uma suavidade encantadora: “Mole e queixoso deslizar-se o rio”, “Seus versos modulando e seus ardores”, “Que esperta os corações, floreia os prados”, “Dar-me em teus brandos olhos desmaiados”.

            Por outro lado, o soneto é bastante rico na expressão de sensações:

– gustativas: doce (4 vezes), lambendo;

– visuais: ver (3 vezes), verdores, sombrio, anilados, olhos, desmaiados;

– tácteis: ameno, mole, ardores, brandos;

– auditivas: queixoso, ouvirem-se, ais;

– olfactivas: aromas.

    Note-se que há signos que não designam apenas uma sensação. Por exemplo, na expressão “é doce ver”, o adjectivo doce, em rigor, estará dentro das sensações visuais (agradável aos olhos), mas na expressão “é doce ouvir”, já o mesmo adjectivo se integra nas sensações auditivas (agradável aos ouvidos). O adjectivo brandos exprime ao mesmo tempo sensações visuais e tácteis. E o adjectivo ameno pode referir-se a qualquer sensação.

    Ainda na descrição da Natureza, são de reter a personificações de elementos como o rio e do Amor; as metáforas (“Ver toucar-se a manhã de etéreas flores...”, “... lambendo as areias e os verdores...”, “Que esperta os corações, floreia os prados...”, “... morte de amor...”); a perífrase e a metonímia “Ouvirem-se os voláteis amadores...” (= passarinhos) e os hipérbatos.

n Características

Análise do poema "Liberdade, onde estás? Quem te demora?", de Bocage

 ● Condições histórico-políticas que estão na génese do soneto:

            – Revolução Francesa (1789);

            – consolidação da República Francesa (1797);

            – estado de absolutismo despótico que se vivia em Portugal.

 

● Tema: a ânsia de Liberdade.

 

● Assunto: o sujeito poético lamente a chegada tardia da Liberdade, constata a oportunidade da sua vinda, desejando e fazendo apelo para a instauração definitiva de tal valor.

 

 

● Estrutura interna

 

• 1.ª parte (1.ª quadra) – O sujeito lírico interroga-se sobre o paradeiro da Liberdade e desabafa, em tom de incerteza e dúvida, quanto à sua chegada.

   Possuído por grande ansiedade e inquietação, face à situação presente de falta de liberdade e opressão, o sujeito poético chama por uma “liberdade colectiva” (“nós”) que alguém desconhecido impede de chegar.

 

• 2.ª parte (vv. 5-14) – A ansiedade, o desejo e consequente apelo, súplica, à Liberdade para que, chegando, possibilite a realização do sujeito/Humanidade.

 

 

▪ Na 2.ª estrofe, é clara a dicotomia liberdade/despotismo: o presente é o despotismo, a opressão “feroz” que “nos devora”; a situação desejada é a da redenção, da salvação: “é vinda a hora”.

 

▪ No 1.º terceto, temos a súplica do sujeito poético à Liberdade, súplica para o merecido acolhimento para quem é patriota. Por outro lado, o sujeito apresenta os efeitos do despotismo em si:

– frio e mudo ® inexistência de liberdade de expressão – não pode poetar à vontade;

– oculta o amor pátrio;

– torce a vontade;

– finge.

          Há, de facto, no soneto, uma oposição entre uma situação real e uma situação desejada. A situação real é de opressão (“despotismo feroz”), que obriga o sujeito a silenciar, por medo, o próprio amor à Pátria, a contrariar a sua própria vontade e a fingir, para não ser apanhado nas malhas da perseguição política, conforme pode ver-se neste terceto.

          A situação desejada é a de Liberdade, aqui encarada como uma “santa redenção”, uma verdadeira salvação, tal é a violência da tirania que “nos devora”. Só a “aurora” da Liberdade poderá iluminar a “espera de Lísia” (Portugal) e dissipar as trevas de um regime ditatorial.

 

▪ No 2.º terceto, a Liberdade é apresentada como aspiração máxima do Homem [“tu és (...) tudo”] e caracterizada como divindade, glória, “mãe do génio (não há entraves para poetar) e do prazer”.

 

▪ A dicotomia Liberdade/Despotismo é sustentada, no poema, por um vasto conjunto de vocábulos:

 

Liberdade		Vv.		Ausência de Liberdade		Vv.
“Liberdade” “santa redenção” “Oh! Venha... Oh! Venha” “pátrio amor” “piedade” “númen tu és” “glória” “Mãe do génio e prazer” “Liberdade”		1 5 7 10 12 13 13 14 14		“demora” “triste de mim!” “não caia” “desmaia” “descaia” “Despotismo feroz, que nos devora!” “frio e mudo” “Oculta” “torce a vontade” “fingir” “temor” “grilhões”		1 2 2 6 7 8   9 10 10 11 11 12

 

 

Conclusão

 

            O número de vocábulos/expressões dos dois grupos opostos é semelhante, ficando, deste modo, comprovada a luta, o conflito entre forças iguais (Liberdade/Ausência de Liberdade), para o qual o sujeito poético incita, apelando e desejando a chegada da Liberdade como necessidade imperiosa para os homens, uma vez que tal privação já causara avultados sacrifícios.

 

● Recursos poético-estilísticos

 

            A nível formal, trata-se de um soneto pois contém duas quadras e dois tercetos, de versos isométricos – decassilábicos. O esquema rimático é ABBA / ABBBA / CDC / DCD, sendo a rima interpolada e emparelhada nas quadras e cruzada nos tercetos. Os versos têm ainda rima grave, consoante, rica (“demora”/”aurora”) e pobre (“desmaia”/”descaia”).

 

            A nível morfossintáctico, existem, nos versos 5 e 12, dois hipérbatos bastante significativos: “Da santa redenção é vinda a hora”; “Movam nossos grilhões tua piedade”. Com a inversão sintáctica que caracteriza o hipérbato, são colocados na posição de destaque do verso (no início) os elementos mais significativos: “Da santa redenção” ® a necessidade de salvação; “Movam nossos grilhões” ® o desejo de libertação e de resolução do conflito.

            A adjectivação agrupa-se dm dois conjuntos: “triste”, “feroz”, “frio e mudo”, “pátrio”, referem-se à situação de despotismo, de opressão; “santa” refere-se à ânsia de redenção e salvação possíveis de obter através da chegada da Liberdade.

            O uso do pronome indefinido (“tudo”) reforça a dificuldade do sujeito poético em seleccionar os vocábulos apropriados para a definição de Liberdade, a aspiração máxima do Homem. Dada essa dificuldade, recorre a este pronome como forma de sintetizar a definição.

            O apelo e desejo de liberdade implicam o predomínio da função apelativa, na medida em que o discurso está centrado no receptor – Liberdade – , para, através de vocativos (“Liberdade”, “ó Liberdade”), formas de imperativo (“acode”) e de presente do conjuntivo (“venha”, “descaia”, “movam”), suplicar a sua intervenção redentora. Por outro lado, é visível também a presença emocionada do sujeito poético (função expressiva), não só pela utilização de pronomes pessoais e determinantes possessivos de primeira pessoa (“nós”, “mim”, “nos”, “nossos”, “nosso”), mas, sobretudo, através de exclamações (“triste de mim!”, por exemplo), interrogações, interjeições (“eia”, “oh”), repetições (“Oh!, venha... Oh!, venha”), reticências e adjectivação (“santa”, “trémulo”, “feroz”, “frio e mudo”) e até da metáfora (“raia (...) a tua aurora”, “devora”, “grilhões”).

            O pronome interrogativo “Quem” remete para a indefinição que rodeia a pessoa ou entidade que impede a liberdade de chegar e libertar o sujeito da situação de asfixia em que se debate face ao “despotismo feroz”.

            O polissíndeto (vv. 13-14) resulta numa tentativa de definição de algo que é transcendente pela sucessão de vocábulos.

            Encontram-se no soneto frases interrogativas (vv. 1, 2, 3-4), declarativas (vv. 5-6), exclamativas (vv. 3, 7-8, 13-14) e imperativas (vv. 9-11, 12). Esta sequência, no que diz respeito à forma como surgem no poema, remete para uma determinada progressão do estado de espírito do sujeito poético: em primeiro lugar, incerteza e indignação pela ausência de Liberdade (frases interrogativas, vv. 1-4); de seguida, a constatação de que o tempo oportuno havia chegado (frases declarativas, vv. 5-6), acompanhado de um desejo em forma de súplica para o término da situação presente (frases exclamativas, vv. 7-8); o apelo para a instauração da Liberdade (frases imperativas, vv. 9-11, 12); e, por último, o destaque atribuído à Liberdade e ao sentimentos do sujeito por tal valor (frases exclamativas, vv. 13.14) que protagoniza o poema.

            A nível semântico, logo no primeiro verso deparamos com uma apóstrofe à Liberdade que se repete no último. Ainda na primeira quadra encontramos uma série de interrogações retóricas, isto é, uma série de interpelações à origem da Liberdade, aos responsáveis pela não existência da mesma e às causas da sua chegada tardia, que servem especialmente a função expressiva, presente na 1.ª quadra, na qual o sujeito poético revela a sua tristeza e indignação pelo facto de estar privado de Liberdade.

            As exclamações, associadas às interjeições (vv. 3, 7-8, 9, 13, 14), marcas da função expressiva, evidenciam o estado de espírito do sujeito poético: a súplica, a ansiedade, a aspiração, o desespero.

            Por outro lado, quer a Liberdade quer o Despotismo surgem personificados. Assim, a personificação da Liberdade por parte do sujeito poético traduz a grande ânsia da sua chegada, enquanto a personificação do Despotismo, por um lado, intensifica a sua presença, força e acção, e, por outro, a situação asfixiante em que vive.

            A metáfora é outro dos recursos importantes do poema:

– “raia (...) a tua aurora” (vv. 3-4);

– “A esta parte do mundo, que desmaia” (v. 6);

– “Despotismo feroz, que nos devora!” (v. 8);

– “... torce a vontade...” (v. 10);

– “Movam nossos grilhões...” (v. 12);

– “Nosso númen tu és...” (v. 13);

– “Mãe do génio e do prazer...” (v. 14).

Este conjunto de metáforas revela a situação de opressão em que o sujeito se debate face ao “despotismo feroz” que a Liberdade tarda em destruir, porque demora a chegar. Além disso, no caso da última metáfora, é atribuída à Liberdade a capacidade de gerar e proteger, sendo ela identificada como a génese da inspiração, do talento.

● Características

A escola do século XIX em imagens - XII

Eduard Ritter – Sala de aula no Tirol (c. 1840)

    Eis, em pleno século XIX, uma sala de aula nada convencional: em vez do mobiliário habitual – carteiras, lousas, secretária, estrado, mapas na parede – o que vemos é um aposento da casa do professor, com quadros na parede e móveis domésticos, sem faltar o pormenor da fruta que o docente vai depenicando durante a aula.

    Mais curiosa ainda é a forma como as crianças surgem divididas em dois grupos contrastantes: à esquerda, junto ao professor, três meninas aplicadas apresentam os seus trabalhos ao professor, enquanto o grupo mais numeroso dos rapazes, à direita, se entretêm com diversas tropelias. O mestre, já idoso, concentra-se nas suas alunas predilectas e no enorme cachimbo que vai fumando, aparentemente alheio a desordem que grassa lá para atrás. A indisciplina não é apenas, como aqui se vê, um problema do nosso tempo…

    Outra reflexão que este quadro nos sugere e que se mantém actual: como explicar que a indisciplina e os comportamentos disruptivos em geral surjam mais frequentemente associados, nas escolas, ao género masculino? Sendo esta uma realidade tanto empírica como estatisticamente demonstrável, o que leva a que os rapazes, de um modo geral, tendam a comportar-se pior na escola? Serão determinantes as características biológicas e psicológicas associadas a cada um dos géneros, as mesmas que levam a que também haja mais delinquentes, criminosos e presidiários entre os homens? Ou é a escola, da forma como tradicionalmente se organiza, que tende a valorizar determinados estereótipos atitudinais e comportamentais mais associados aos género feminino?

    Poderá ser um pouco de tudo isto, mas há um factor de natureza mais sociológica não menos relevante: antes da escolaridade ser obrigatória, eram quase só os rapazes que iam à escola. Numa família pobre ou mesmo remediada, era comum os rapazes estudarem pelo menos o tempo suficiente para aprenderem a ler e escrever, enquanto as suas irmãs ficavam em casa. E é quando começam a ser mandadas à escola que muitas raparigas, vendo nos estudos a possibilidade de ter uma vida diferente das suas mães e avós, e sabendo que ao primeiro sinal de insucesso serão retiradas da escola, não hesitam: agarram essa oportunidade com unhas e dentes…

Fonte: Escola Portuguesa.

Análise do poema "Olha, Marília, as flautas dos pastores", de Bocage

 ● Tema: enaltecimento da mulher amada.

 

 

● Assunto: descrição de uma natureza campestre aprazível, apenas possível pela presença da mulher amada; de contrário teria o efeito oposto no sujeito: a natureza entristecê-lo-ia.

 

 

● Estrutura interna

 

▪ 1.ª parte (vv. 1-12) – Descrição de uma natureza idealizada (campestre e pastoril) ® o sujeito convida Marília a admirar este cenário idílico, bucólico, harmonioso, alegre suave:

                 

 

● NOTAS:

 

            1.ª) Trata-se de um quadro que “obedece” às características do locus amoenus clássico, sintetizado nas duas exclamações do verso 12: “Que alegre campo! Que manhã tão clara!”.

            No entanto, esta descrição dinâmica não é neutra, há um clima de sensualidade que percorre toda esta 1.ª parte. Marília é convidada, pelo sujeito poético e em conjunto com ele, a admirar um quadro da Natureza que convida ao amor: “Incitam nossos ósculos ardentes”, “o rouxinol suspira”, “a abelhinha sussurrando”. Os dois amantes deverão integrar-se no ambiente festivo e sensual da Natureza.

 

            2.ª) Por outro lado, trata-se de um quadro bucólico:

. a luminosidade das águas do Tejo deslizando suavemente;

. a brisa leve e acariciadora, graciosamente personificada na imagem mitológica dos Zéfiros a brincar brandamente com as flores;

. as flores, as borboletas, o rouxinol, a abelhinha;

. as flautas dos pastores, cujo som ameno condiz com a simplicidade dos pastores e do cenário campestre;

. as sensações auditivas, visuais e tácteis;

. os Amores com os seus beijos apaixonados;

. a natureza harmoniosa e idílica:

- som das flautas;

- sorrir do Tejo e o brincar dos Zéfiros;

- borboletas de mil cores;

- suspiros do rouxinol e murmúrios da abelhinha;

- a harmonia entre a natureza e o estado de alma do sujeito poético, pelo menos enquanto vir Marília.

 

            3.ª) São vários os recursos expressivos que sustentam a descrição da Natureza:

. sensações:

– visuais: olha, olha, vê;

– auditivas:   as flautas dos pastores soam;

“o rouxinol suspira”;

“nos ares sussurrando”;

– táteis:   “... não sentes / Os Zéfiros brincar...”;

“Vê como ali beijando-se...”;

“Incitam nossos ósculos...”;

. personificação do Tejo, do rouxinol, das borboletas e da abelhinha;. verbos no imperativo (olha, olha, olha, vê) que convidam a “saborear” o espectáculo da Natureza;

. emprego do diminutivo abelhinha marcando a subjectividade do sujeito;

. anáforas (“Olha, Marília...” / “Olha o Tejo...”; “Ora nas folhas (...) / Ora nos ares...”), reforçando o carácter dinâmico da descrição;

. hipérbole:   “As vagas borboletas de mil cores!”;

“Mais tristeza que a morte...”;

. hipérbato:   “Vê como ali beijando-se os Amores”;

. metáfora hiperbólica: “ósculos ardentes” (v. 6);

. substantivação: “as inocentes” (v. 7);

. adjetivação;

. intensificação: “Que”; ”tão”;

. frases elípticas e exclamativas (“Que alegre campo! Que manhã tão clara!”) transmitindo a posição do sujeito poético face ao quadro descrito.

 

 

▪ 2.ª parte (vv. 13-14) – O sujeito poético alerta Marília para a tristeza que a Natureza lhe causará se não a vir.

 

● Conclusões:

. a presença da amada (Marília) é imprescindível para a felicidade do sujeito poético no meio da Natureza;

. a Natureza é vista como um cenário harmónico, perfeito, denominado locus amoenus, propício à partilha amorosa; a pequena nota romântica é diluída na profusão da amenidade.

 

 

● NOTAS:

 

            1.ª) A relação entre a Natureza e o estado de alma do sujeito assenta em alguma incerteza:

            A relação entre o sujeito e a Natureza é sempre múltipla:

– ou a Natureza reflecte, como um espelho, o estado de espírito do sujeito;

– ou contrasta com o sujeito, pois nela ele não encontra a felicidade de outrora, alterada que está a ligação amorosa;

– ou comunga o estado de espírito, partilhando os sentimentos dos amantes.

 

            2.ª) Os sentimentos dominantes no poema são a alegria (1.ª parte) e a tristeza (2.ª parte). Assim sendo, as duas partes do poema articulam-se por uma relação de oposição, marcada pela conjunção adversativa mas: se a amada está presente, tudo é belo; se a amada não está presente, tudo causa tristeza. Essa oposição está exemplificada nos dois últimos versos pelo contraste entre a manhã (luz) e a noite (obscuridade).

 

            3.ª) No que diz respeito aos recursos expressivos, temos:

– o abandono do discurso descritivo, predominante na 1.ª parte;

– o emprego exclusivo dos discursos de 1.ª e 2.ª pessoas, marcando a relação do sujeito com a mulher amada;

– a utilização da interjeição e da exclamação, marcando o carácter subjectivo (romântico) da linguagem;

– o trocadilho: “vês (...) não te vira”;

– a hipérbole e a metáfora: “Mais tristeza que a morte me causara”.

 

            4.ª) Estão presentes no poema “dois tipos de descrição”:

® Clássica:

. vocabulário e construção gramatical utilizada: latinismos cadentes (harmoniosos), Zéfiros (ventos brandos do ocidente), Amores (filhos de Vénus e Marte), ósculos ardentes (beijos intensos), inocentes (inofensivas), vagas (errantes, vagueantes);

. uso do pretérito mais-que-perfeito simples (vira, causara) equivalente ao imperfeito do conjuntivo (se eu não te visse) e ao condicional simples (mais tristeza me causaria).

 

® Romântica:

. pontuação;

. abundância de exclamações (vv. 1-2, 5-6, 6-7, 12, 13);

. interjeição “ah” (v. 13);

. vocabulário próprio da sensibilidade romântica: “o rouxinol suspira” (v. 9), “morte” (v. 14).

 

● Características

 

● Linguagem e recursos poético-estilísticos

 

            A forma do poema (nível fónico) é nitidamente clássica: um soneto, com versos decassilábicos heróicos, de ritmo binário, combinados com alguns sáficos (vv. 2, 9-12), em que o ritmo surge mais entrecortado; rima interpolada, emparelhada e cruzada, segundo o esquema ABBA / ABBA / CDC / DCD, consoante (“pastores”/”flores”), grave ou feminina (“cadentes”/”sentes”), pobre (“pastores”/”flores”) e rica (“cadentes”/”sentes”). Observem-se também os exemplos de transporte nos versos 3-4, 5-6, e as aliterações em pl (v. 7) a sugerir o voo das borboletas e em s e t no verso 11 a sugerir o ruído do voo da abelha.

 

            A nível morfossintáctico, os verbos encontram-se maioritariamente no presente a traduzir um quadro estático, observado simultaneamente pelo emissor e pelo receptor. Os verbos, no geral intransitivos, revestem-se do aspecto durativo, a traduzir a durabilidade das acções e contrastam com os transitivos dos últimos dois versos a marcar a súbita mudança de sensações. O imperativo (“Olha”, “Vê”) traduz o convite do sujeito poético à amada para contemplar a Natureza harmoniosa, alegre e suave. Neste contexto ainda, a presença do verbo “ver” é muito significativa. Além de conferir visualismo à mensagem do poema, remete para a noção de que o amor nasce da visão e de que a presença da amada é necessária para que a natureza tenha valor para os amantes.

            É notório também um tom coloquial no poema, traduzido pela função fática e apelativa da linguagem veiculadas pelo vocativo (“Marília”), pela frase interrogativa “não sentes?”, pelos imperativos “olha” (repetido três vezes), “vê” e pelo designativo “ei-las”. O tom coloquial é também acentuado pela função expressiva patente nas exclamações. Na realidade, o poema é um monólogo que parece um diálogo. As frases exclamativas/apelativas e interrogativas traduzem também um intimismo afectivo e sensorial entre o sujeito poético que fala e a sua muda interlocutora.

            Os substantivos (o Tejo a sorrir, os ventos brandos, as flores, as abelhas, as flautas e os pastores) e os adjectivos traduzem um quadro bucólico, uma natureza harmoniosa e idílica – “locus amoenus”; “aurea mediocritas”.

            O vocabulário é latinizante (cadentes, ósculos, vagas, Zéfiros), traduzindo a erudição do poeta e a sua formação clássica. A anáfora “Ora (...) / Ora...” evidencia os dois movimentos opostos da abelha; “Olha (...) / Olha” traduz o convite a Marília.

            A conjunção adversativa “Mas” e a interjeição “ah” marcam a mudança da 1.ª para a 2.ª parte numa relação de oposição e prenunciam o sofrimento do sujeito lírico perante a ausência da mulher amada.

            A nível semântico, a apóstrofe inicial marca a importância do destinatário da mensagem.  Na descrição da Natureza harmoniosa,  suave,  alegre e idílica,  destacam-se as sensações visuais, tácteis e auditivas, as personificações (Tejo, Zéfiros, Amores), traduzindo a subjectividade do discurso e a sua formação clássica, e outras nos versos 9 e 11, as exclamações a traduzirem a exaltação da alegria festiva da Natureza – a exclamação do verso 13 traduz a situação dolorosa hipotética – e as interrogações, sugerindo o tom coloquial da linguagem.

            O diminutivo abelhinha sugere carinho.

            Realcem-se ainda as hipérboles “borboletas de mil cores”, “ósculos ardentes”, “Mais tristeza que a noite me causara” (comparação); o trocadilho “vês (...) não te vira...” (v. 13).

 

● Intertextualidade: “Olha, Marília...” e “A fermosura desta fresca serra” (Camões)

 

▪ Estrutura interna

  

1.ª parte (2 quadras) – Descrição da Natureza, concretizada (através da acumulação de frases nominais) de uma forma mais objectiva que no caso do soneto de Bocage. O quadro aponta também para a Natureza de tipo clássico (“locus amoenus”): beleza, formosura, frescura, verdura, calma.

 

2.ª parte (2 tercetos) – Relação do sujeito com a amada e consequente visão da Natureza: sem a presença dela, o sujeito poético fica insensível à beleza da Natureza.

 

▪ Elementos que compõem a paisagem

 

Olha, Marília, as flautas dos pastores	A fermosura desta fresca serra
Flautas dos pastores O Tejo As flores As plantas As borboletas O arbusto O rouxino A abelhinha	A serra Os castanheiros Os ribeiros O mar A terra O esconder do so Os gados As nuvens
locus amoenus	locus amoenus

 

▪ Diferenças entre os sonetos

 

sonetos   elementos	Bocage	Camões
Elementos se-lecionados	. espaço mais restrito . presença de elementos humanos . rouxinol  como  elemento  perturbador	. espaço mais alargado: presença dos quatro elementos primordiais ® terra, água, ar e fogo
Qualidades da natureza	. harmoniosa e luminosa: destaque para o convite ao amor	. formosura, calma, variedade e raridade: destaque para a beleza
Adjectivação	. cadentes, ardentes, vagas, alegre, clara   . menor quantidade  de adjectivos: destaque para o sentimento do amor	. fresca, verdes, manso, rouco, estranha, derradeiros, brandos, rara, mor   . maior quantidade de adjectivos; destaque para as características dos objectos, à maneira petrarquista
Pontuação	. exclamações, interrogação: destaque para a subjectividade	. vírgula, ponto e vírgula, ponto final: discurso mais objectivo
Funções da linguagem	. apelativa (predomínio), expressiva e poética: mensagem mais voltada para o destinatário; domínio do sentimento	. poética e emotiva: mensagem mais voltada para a realidade e para o sujeito poético; domínio da razão

 

▪ Semelhanças entre os sonetos

 

sonetos   elementos	Bocage	Camões
Construção do quadro	. dinâmico, com evidência para as acções das pessoas, dos entes mitológicos e das aves	. estático: frases nominais, substantivação do infinitivo verbal; forte visualismo da serra ao mar
Cenário	. locus amoenus e leve presença do locus horrendus (o suspirar do rouxinol)	. locus amoenus e leve presença do locus horrendus (o rouco som do mar)
Aliterações	. 2.º verso: monossílabos, dissílabos e trissílabos; quase onomatopaico, a sugerir o som próprio das flautas; a repetição dos fonemas /pl/ (v. 7) a sugerir o voo das borboletas; a repetição do fonema /s/ (v. 11) a sugerir o ruído do esvoaçar da abelha	. a repetição do fonema /f/ (v. 1) a sugerir frescura; repetição do fonema /t/ (v. 4) a sugerir uma afirmação segura
Personificações	. do Tejo, dos Zéfiros, dos Amores e do rouxinol	. animização dos ribeiros e das nuvens
Anáforas	. Olha, Olha; Ora, Ora	. Sem ti. Sem ti
Elementos ro-mânticos	. a natureza é um estado de alma . a pontuação subjectiva e livre . a  presença do  rouxinol  e da noite . o amor sensual	. a natureza é um estado de alma
Sentimentos	. amor (mais sensual) . alegria / tristeza	. amor . tristeza

 

 

▪ Síntese

SEMELHANÇAS

            1. Nível temático

 

. Descrição da Natureza: “locus amoenus”.

. A personificação dos elementos descritos.

. Relação sujeito poético / mulher / Natureza (de influência petrarquista).

 

            2. Nível formal

 

. Uso do soneto e do verso decassilábico.

. Equilíbrio na construção frásica de cariz latinizante.

. O processo antitético.

DIFERENÇAS

            1. Nível temático

 

Bocage	Camões
. Descrição da Natureza apoiada numa valorização da sensualidade e da subjetividade. . Convite ao amor, evidenciando a sua componente sensual e reforçando o papel ativo do sujeito poético na relação amorosa.	. Descrição objetiva da Natureza.   . O sujeito poético é um ser passivo face ao amor, totalmente dependente da amada.

 

            2. Nível formal

 

. Tom oralizante criado através do emprego de:

            – imperativos;

            – exclamações;

            – diminutivos;

            – interrogações.

 

            As características diferenciadoras constituem as marcas românticas da poesia de Bocage.